2023:

Für KW 50: Violent Jasper – Control (Gentle Art Of Music/Soulfood)

Zwei Jahre nach dem letzten Album der Hamburger Artrocker Sylvan (One to Zero), erscheint das Solo-Debüt ihres Keyboarders Volker Söhl. Songwriting-Partner ist Sylvan-Gitarrist Johnny Beck, und trotzdem ist dies kein neues Sylvan-Album. Aber es gibt immer wieder starke Parallelen, erst recht, wenn in zwei Songs Sänger Marco Glümann als Duett-Partner auftritt. Ansonsten bereiten die beiden hier das Feld v.a. für die bezaubernde Münchner Sängerin und Synchronsprecherin Caroline von Brünken, die ihren Songs immer wieder die Krone aufsetzt. Daneben ist das Album eine Hommage an Söhls Liebe zur Filmmusik, verstärkt durch den Einsatz von Orchester-Instrumenten (Gäste: Katja Flintsch, Violine & Viola und Otfried Beck, Oboe). Musik und Gesang sind exzellent abwechslungsreich zwischen Artrock und symphonischem Kammerpop und immer wieder einfach wundervoll schön!

Für KW 49: Peter Gabriel - i/o (Virgin)

Das gab es so auch noch nicht: Seit Jahren angekündigt, seit 12 Monaten eingeleitet: Ein komplettes Album, das zur Veröffentlichung am 1.12.23 bereits komplett bekannt ist – bzw. sein könnte all jenen, die es seit Januar verfolgt haben. Und das sogar in beiden möglichen Versionen, in denen das Album erscheint: Zu jedem Vollmond gab es bereits eine Single, entweder im Bright-Side- oder im Dark-Side-Mix, zum Neumond folgte dann die jeweils andere Version. 12 Songs. Und zum 1. Dezember gibt es die Songs jetzt in ihrer ganzen Pracht versammelt, als Doppel-CD-Package oder jeweils separat  als 2-LP. 
Aber nicht nur das: Auf der zurückliegenden Tour hat er das Album auch bereits fast komplett live gespielt! Auch das ein Wagnis, zumal viele der Songs sehr, bzw. relativ ruhig sind. Andächtig. Anmutig. Aber immer voller verzaubernder Schönheit, getragen von der faszinierenden Stimme Gabriels. Eingespielt mit seinem bekannten Team aus Gitarrist David Rhodes, Bassist Tony Levin und Drummer Manu Katché; ergänzt durch Beiträge an diversen Instrumenten von diverse Gastmusiker und Gruppen, wie dem Soweto Gospel Choir, dem schwedischen Männerchor Oprhei Drängar sowie dem New Blood Orchestra unter der Leitung von John Metcalfe sowie u.a. Tochter Melanie mit Backing Vocals. Konnte da noch etwas schiefgehen? Zwanzig Jahre nach seinem letzten Studioalbum hatten die Songs genügend Zeit zu reifen und nach den letzten 7 regulären Alben weiß man, dass Peter Gabriel weiß, was (s)einen guten Song ausmacht. Und Popstar möchte er auch nicht mehr werden, es gibt also keinen Grund für unnötige Experimente. Das geht soweit, dass „Road To Joy” ein wenig sehr zu sehr nach „Kiss that Frog“ klingt. Das Album startet geheimnisvoll und mit einer sehr PG typischen Mischung aus schrägen Harmonien in den Strophen und einem tollen Refrain in „Panopticom“, auch das ruhige „Playing For Time“ ist wunderschön, genauso wie der rockige Titelsong. Aber seien wir ehrlich, richtige Highlights sind nicht zu entdecken. Aber wie gesagt, das hat man in den letzten elf Monaten ausgiebig verfolgen können. In seiner Gesamtheit kann man nun endlich eintauchen in das Gesamterlebnis und: Nein, es besteht kein Grund, das nicht zu machen! Denn während es vorher eine Sammlung von Songs war, ist es jetzt ein abwechslungsreiches Gesamtkunstwerk, und mehr als die Summe seiner Teile. 
Und wenn ihr euch in Ruhe die beiden Versionen des Albums auf und ab gehört und verglichen habt – mir ist es ehrlich gesagt schon mit den Singles kaum gelungen, nennenswerte Unterschiede der Bright und Dark Mixe zu finden – gibt es sogar noch eine weitere Version. Sie ist im 3-Disc-Set als Bluray enthalten. Ist das jetzt übertriebener Geschäftssinn? Mangelnde Entscheidungsfreudigkeit? Oder das Rundumpaket für Fans? Auf seiner CD-Rom EVE (1996) konnte der Nutzer / Spieler sogar noch eigene Mixe anfertigen… wäre hier ja auch noch eine Variante.

Für KW 48: Leap - One Million Pieces EP / Dark Habits EP (9P Records)

Hier ist etwas für Herz und Beine, also etwas weniger kopflastig, sondern eher Hit-orientiert.  Obwohl Hits bislang noch Fehlanzeige sind, sowie die Band an sich bislang noch nicht sehr bekannt ist. Als Nachfolger der Band Mispers bedienen sie eine ähnliche Zielgruppe wie die irischen Inhaler um Bonos Sohn Elijah Hewson.
Die hier vorgestellten zwei EP sind eine Möglichkeit, sich von der Qualität dieser Band überzeugen zu können. Zweimal sechs Song mit einer energetischen und mitreißend eingängigen Mischung aus Rock und hymnischem Pop, quasi allesamt Single-tauglich. Veröffentlicht im letzten und in diesem Jahr (Bad Habits), kommt man so ja auch auf Albumlänge. Aber spätestens, wenn man sie – und vor allem Sänger Jack Balfour Scott – live erlebt hat, ist man sich sicher, dass diese Band the next big thing wird. Oder zumindest werden könnte, wenn wir es schaffen diesen Drive und diese Songqualität zu erhalten. Extrem spannend!

Für KW 47: MMTH - Infinite Heights  (Poly Unique)

Ich bin eigentlich kein Freund von Instrumentalalben, deswegen kommen Sie an dieser Stelle auch relativ selten vor. Umso mehr muss ein Instrumental-Album anstellen, um meine Aufmerksamkeit zu erregen, bzw. zu halten. Ich gebe zu, dabei hat er dieses Album schon einen gewissen Standortvorteil, denn MMTH kommen aus Aurich. Trotzdem liegt meine Begeisterung für dieses Album nicht an der regionalen Nähe. MMTH schaffen es, mit jedem Song eine neue, gekonnte Hookline aus dem Hut zu zaubern, und verfügen damit also schon mal über den wichtigsten Baustein für einen guten Song. Zwar sind spektakuläre Soli hier eher Fehlanzeige, aber die Songs sind trotzdem abwechslungsreich reich und spannend genug, um zu zünden. Interessanterweise hält sich das Quartett auch explizit fern vom Begriff Post-Rock, auch wenn ihre Musik mit den mächtigen Klanglandschaften einige Parallelen aufweist. Für sie ist es Instrumental Rock mit Groove und Atmosphäre durch Kontraste. „Infinite Heights“ ist nach dem Debüt „Paternoster“ 2017 (Demo des Monats im Visions) das zweite Album der Auricher, mit seinen sechs Titeln und einer Spielzeit von 31 Minuten vielleicht etwas kurz geraten, aber vielleicht liegt genau daran eine Würze.

Für KW 46: Hugo´s Voyage - Inception (Frontiers Music)

So abseits des Mainstreams er für den Großteil der Öffentlichkeit stattfindet, so unüberschaubar groß ist das AOR-Genre selbst für Insider und Fans. Der europäische Markt wird dabei u.a. von Frontiers Records vorsortiert bedient und immer noch laufen viele der Bands Gefahr, in der Beliebigkeit und Masse der Veröffentlichungen zu versinken. Nur wenige Bands schaffen es da, wirklich hervorzustechen. Es gibt ein paar große Namen, daneben ein paar weitere, die sich über die Jahre etabliert haben, aber letztlich viel Ausschussware in den Augen derer, die nicht zu den hartgesottenen Fans zählen, also Leute wie mich. U.a. Journey können mich immer wieder überzeugen, Dean Castronovos Revolution Saints sorgten für die erste ernstzunehmende Alternative, bzw. mit mittlerweile vier veröffentlichten Alben für ein gutes Paralleluniversum. 
Und jetzt kommt Hugo´s Voyage. Über den Namen könnte man jetzt verzweifeln, aber Voyage – Journey – Nachtigall… ist wohl kein Zufall. Als Tributeband aus New York und Boston gestartet und mit großem Erfolg in den USA unterwegs, veröffentlichen sie jetzt ihr Debüt. Und mit seiner extrem Steve Perry-ähnlichen Stimme sorgt Hugo Valenti für eine große Ähnlichkeit, seine Kollegen ergänzen das Ganze mit der richtigen Mischung aus Rockern, Midtempo-Hymnen und Balladen. Viel mehr muss man dazu gar nicht sagen. Meinen Segen haben sie, wenn ihr Journey-Fans seid, solltet ihr „Inception“ hören!

Für KW 45: Trevor Rabin - Rio (InsideOut / Sony Music)

Der Mann, der den Sound von Yes in den frühen Achtzigern neu definierte, und mit „Owner of a Lonely Heart“ und „Changes“ ganz neue Türen aufstieß. Mehr oder weniger zufällig kommt er genau 40 Jahre nach dem „90125“-Erfolgsalbum mit einem Soloalbum, und das hat einige Parallelen zu 90125. Nachdem der gebürtige Südafrikaner in den letzten Jahrzehnten neben zwei Soloalben in seiner Wahlheimat Kalifornien v.a. Filmmusik komponiert hat (u.a. Con Air, Armageddon, Deep Blue Sea), ist das Album eher eine Sammlung von Songs, die er gerne ein weiteres Mal mit Jon Anderson aufgenommen hätte. Da sich das aber nicht abzeichnete, nutzt er das Jubiläum für ein Soloalbum. Es gibt jede Menge dieser typischen Soundmerkmale, mit denen man ihn in Verbindung bringt („Big Mistakes“, „Push“, „Paradise“, „Thandi“). Daneben wird es vereinzelt ein wenig seicht, erinnert ein wenig an Albert Hammond oder ähnliche Banalitäten, und wenn dazu noch die Pedal Steel Gitarre mit seinem unvermeidlichem Country Touch mit reinkommt, wird die Toleranz bisweilen etwas auf die Probe gestellt. Aber es gibt auch deutlich anspruchsvollere Momente, die das locker entschädigen und für ein abwechslungsreiches Hörvergnügen sorgen. Und wer sich mit den Texten beschäftigen möchte: Neben „Goodbye“, einem Abschiedsbrief an seine zwischenzeitliche Heimat England, sticht v.a. „Oklahoma“ ins Auge. Was auf den ersten Blick wie eine Hymne für das Land scheint, ist eher ein Kommentar auf den Anschlag auf das Regierungsgebäude 1995 („We learned nothing“, „we lost our innocence“). Toller Song, tolles Album!

Für KW 44: Pattern Seeking Animals - Spooky Action at a Distance (InsideOut/Sony Music)

Spock´s Beard machen eine Pause, das macht aber nichts: PSA springen ein. Ohnehin aus dem SB Umfeld kommend und mit Dave Meros am Bass, sorgt nicht zuletzt Ted Leonard am Gesang für Vergleichbarkeit. Wobei, das hatte er PSA schon mit dem letzten Album bewiesen, der Ansatz hier etwas weniger progressiv ist. Vor allem die ersten Songs sind deutlich straighter und mainstreamkompatibler. Aber trotzdem gut! Die Hitkompatibilität, die ich ihnen noch mit dem Vorgänger "Only Passing Through" attestiert hatte, lassen sie hier ein wenig vermissen, dafür gibt es im weiteren Verlauf  auch längere und komplexere Songs, wobei komplex sich mehr auf die Integration verschiedener Phasen und Elemente bezieht, als auf frikkeliger oder progressiver Kopfmusik. Instrumentalpassagen und Soli werden hier ohnehin deutlich weniger Gewicht zugeschrieben. Gelungen sind die Songs trotzdem - und die Umsetzung ohnehin. Mehr als ein Spock`s Beard Ableger! 

Für KW 43: Bruce Hornsby - Spirit Trail (RCA)

Hatte ich mich eigentlich schonmal ans Bruce Hornsby Fan geoutet? Sein letztes Album "Flicted" war sehr ungewöhnlich Pop-lastig und experimentell, mit schwachen Songs und v.a. sehr wenig Klavier! Ein Griff ins Klo. Sorry. 
Eins seiner Highlight-Alben erfährt jetzt nach 25 Jahren eine Wiederveröffentlichung. Und die hat es vor allem für seine Fans außerhalb der USA in sich. Denn nur in der USA war das Album schon 1998 eine Doppel-CD, ansonsten beschränkte man sich auf eine Auswahl auf einer CD. Kann man machen, entsprach dem Bild, das man von Hornsby hatte, so wahrscheinlich noch am ehesten, spiegelte aber die große Vielfalt dieses Albums deutlich weniger erfolgreich. Denn neben Piano-Pop-Perlen wie "Resting Place" und "Swan Song" gab es Rock, Jazz, Funk, Folk und Experimentelles. So frei, dass ich diesem Album das Label Jazz Pop geben würde, womit er hin und wieder nahe an Sting lag - und das erstaunlicherweise auch gesanglich!
Interessanterweise war das sechste Hornsby-Album das erste, das es nicht in die Top-100 schaffte. Lag es an der o.g. Veröffentlichungspolitik oder am seltsamen Covermotiv (auf dem sein Onkel Charles Hornsby seinen Humor bewies)? Die Single "Great Divide" war wahrscheinlich vielen zu Folk-lastig, einen Hit konnte er jedenfalls nicht landen. Unter seinen Fans gehörte dieses Album aber immer zu den Highlights und auch Hornsby selbst hält es für eins seiner besten Werke. Gute Gründe für eine Wiederveröffentlichung. Zumal es noch vier Fundstücke aus der Zeit gibt, die hier zum ersten Mal veröffentlicht werden. Ein weiteres Live-Album rundet die Sache ab. Noch Wünsche offen?

Für KW 42: LALU - The Fish Who Wanted To Be King

Nach “Paint The Sky” vor zwei Jahren hat sich der  französische Keyboarder Vivien Lalu auch für sein viertes Album wieder die Unterstützung von Ausnahmesäger Damien Wilson sichern können. Und der zeigt sich bei diesem tollen Progressive Rock mittlerer Härte von seiner besten Seite, sprich in diesem Sound und diesem Härtegrad ist er definitiv am besten aufgehoben. Richtige Kracher Songs sind nicht dabei, abgesehen vom wunderschönen Longtrack „Amnesia“, aber es gibt die komplette Palette von eingängig bis progressiv und erinnert damit vor allem an die Wilsons Phase von Landmark (Album 1-3): Aber auch Querverweise zu Kino oder It Bites machen dieses Album zum Vergnügen!

Für KW 41: Creeper - Sanguivore (Spinefarm)

Dieses Album bringt mich zu der Frage, gibt es Künstler die man nicht kopieren kann beziehungsweise vielleicht sogar gar nicht kopieren darf? Künstler, die so einzigartig sind, dass eine Kopie per se ein wenig lächerlich anmuten würde? Künstler die so sehr viel von ihrer eigenen Persönlichkeit in ihre Kunst bringen, dass eine Kopie ihres Stils eher zum Theaterstück mutiert? In der Malerei würde mir dazu z.B. Dali einfallen, der eben nicht nur einen Stil kreiert hat, wie z.B. Vincent van Gogh. In der Musik ist das Meat Loaf. Stimmlich ein Phänomen, optisch eine Erscheinung, stilistisch einzigartig. Das täuschte sogar darüber hinweg, dass seine Texte schon manchmal ein wenig abenteuerlich waren. Diese „Bat out of Hell“-Idee hat er ja ansprechend umgesetzt, aber ehrlich: Von Monstern und ähnlichen Erscheinungen zu singen, ohne sich selbst lächerlich zu machen, ist ja auch schon eine Herausforderung. 
Und an dieser Stelle kommen Creeper ins Spiel. Versuchen sie es auf mehr oder weniger eigenen Wegen? Nein eigentlich versuchen Sie, das von Meat Loaf selbst verwaiste Feld neu zu beackern mit sehr ähnlichen Mitteln. Das beginnt mit dem knapp zehnminütigen Opener, der musikalisch schon recht gelungen ist, bei dem man sich aber noch fragt, wie viel Eigenes von den Musikern hier zu hören ist. Stimmlich gibt es gewisse Ähnlichkeiten, textlich und stilistisch die oben erwähnten Parallelen. Glücklicherweise bringen die Briten im weiteren Verlauf auch noch andere musikalischen Zitate unter und Stilistiken ein, mal Rock´n´Roll, Gothic oder Musical, in „The Abyss“ auch mal relativ Pop-affine Arrangements. Trotzdem bleibt Meat Loaf immer wieder Ankerpunkt, auch wenn es seine epische Seite nur im Opener gibt und als Finale eine schöne Ballade. Richtig befriedigend ist es vor allem deswegen nicht, weil die Songs nie besonders gut sind. Wer trotzdem die Kunst und das Schaffen Meat Loafs vermisst, kann hier ja mal einen Test wagen.

Für KW 40: Archive - ‘Call To Arms & Angels’ (Digital Deluxe Edition)

Die Unterschiede sind interessanterweise eher im Detail, der Opener ist ein wenig länger, das folgende „Mr. Daisy“ noch deutlich langsamer… aber es gibt 4 neue Songs! Und wer das Album noch einmal in alternativen Versionen oder aber überhaupt endlich für sich entdecken will: Es lohnt sich! Ein Meisterwerk, eher ruhig, aber unglaublich intensiv. Und wenn ihr euch schon immer gefragt habt, warum eurem Handy eigentlich diese Kopfhörer beilagen: Probiert sie mit diesem Album aus Unbedingt!!   

Für KW 39: Jeremy Dutcher - Motewolonuwok (Secret City)

Das Label stuft ihn ein unter „Neo-Klassik, Outernational, Folk“, ich würde noch Kammer-Pop hinzufügen. Wunderschöner, sanfter Sound David Sylvian & Curtis Stigers, der hin und wieder aber auch gerne lautere Töne anschlägt ("Pomawsuwinuwok Wonakiyawolotuwok"; "Ancestors Too Young"). Der Kanadier veröffentlicht mit Motewolonuwok  sein erstes Album, auf dem er auch auf Englisch singt. Als Teil der Wolasotqey Nation und sang auf seinem 2018er-Debüt „Wolastoqiyik Lintuwakonawa“ in der Sprache seiner indigenen Vorfahren. Damit konnte er in Kanada hohe Wellen schlagen, die renommierten Polaris und Juno Awards gewinnen und sogar eine TV-Karriere starten. Nun wird sich zeigen, wie ofen die Welt für seinen Sound ist.

Für KW 38: Steven Wilson - The Harmony Codex (Virgin)

Albumtitel sind nicht oft so eindeutige Hinweisgeber auf den Inhalt. Auch der Brite hat sich da meistens eher kryptisch gehalten. In Fall des neuen Albums würde ich aber dem Titel Recht geben. Abgesehen davon, dass es ein Songtitel  auf dem Album ist, dürfte auch das Album als überraschend harmonisch durchgehen. Der Titelsong, ein sphärischer, Filmmusik-ähnlicher Instrumentalsong, der mit Sprachsamples erweitert ist, die entfernt an das „Hand. Cannot. Erase.“-Album erinnern, steht da nur stellvertretend. Insgesamt relativ ruhig sind es v.a. viele verschiedene elektronische Elemente, die man auf "The Harmony Codex“ findet.  Was aber, keine Angst, nicht heißen soll, dass es nicht auch Rock- und andere Elemente auf dem Album zu finden gibt. „Actual Brutal Facts“ und das abschließende „Staircase“ bringt ein paar coole Grooves und Gitarren mit ins Spiel, das gut 10-minütige „Impossible Tightrope“ packte dezente Jazzverweise aus. Und Track 5 heißt gar „Rock Bottom” – wird aber zum Highlight nicht durch ein Metal-Inferno, sondern durch das immer wieder gerne genommene Duett mit der Ausnahmestimme Ninet Tayeb. Weitere Gäste auf dem Album sind Craig Blundell und Adam Holzman, sowie Jack Dangers (Meat Beat Manifesto) und Sam Fogarino von Interpol. 
Mit seinem enormen Abwechslungsreichtum und seinem Streifen durch viele verschiedene Genres ist „The Harmony Codex“ glücklicherweise nicht die Fortsetzung des „Future Bites“ Desasters. Wer allerdings nach dem Porcupine Tree Intermezzo auf eine komplette Kehrtwende gehofft hatte, dessen Erwartungen dürften enttäuscht werden. Trotzdem: Wenn man dem Album erstmal ein bisschen Zeit lässt, wenn man sich von seiner Erwartungshaltung verabschiedet hat (bei Steven Wilson immer eine nicht irrelevante Entscheidung!), wenn man sich dem zeitweisen Elektronik-Anteil angefreundet hat und die wahren Rock- und Prog-Anteile identifiziert hat, dann muss doch festgehalten werden, dass hier einige atemberaubende Harmonien (sic!) und Momente in Songs gegossen wurden, die so Wilson-typisch sind, wie immer. 
Seinem Geschäftssinn bleibt er treu: The Harmony Codex erscheint auch als limitiertes 3-Disc-Deluxe-Set mit 100-seitigem Buch, einer CD mit alternativen Versionen und Remixen (von u.a. Manic Street Preachers, Roland Orzabal, Mikael Åkerfeldt und Interpol sowie eine Disc mit BluRay Hires-Sound, 5.1 Surround und Dolby-Atmos-Mixe sowie weiterem Material. 

Für KW 37: Subsignal - A Poetry of Rain Gentle Art Of Music/Soulfood

Fünf Jahre haben sich die Münchener seit „La Muerta“ Zeit gelassen, um an ihrem neuen Studioalbum zu feilen. Und auch Nummer 6 schöpft entsprechend aus dem Vollen: Tolle Songideen, geschmeidige Arrangements, klangliche Abwechslung, mitreißende Gesangsarrangements und Soli und immer wieder überraschende Elemente. Bisweilen möchte man meinen, dass die Band um Gitarrist Markus Steffen und Sänger Arno Menses wieder vermehrt in progressiveren Gefilden unterwegs ist. Das deutete die erste, fantastische Single „Silver“ schon an – und ist eine Art Rückkehr zu ihren Anfängen bei der gemeinsamen Band Sieges Even, allerdings  in diesem Fall nicht so kopflastig frickelig anstrengend, sondern einfach nur abwechslungs- und einfallsreich und nur hin und wieder auch etwas komplexer. Zudem bringen sie mit den erwähnten Überraschungen so großartige Ideen, Sounds und Genres mit ein, dass es nie langweilig wird. Dazu noch umwerfende Harmonien wie in der Ballade „A Wound is a Place to let the Light in“: Ein Album, das durchweg begeistert – und zudem mit seinen Referenzen an Porcupine Tree oder Kansas auch eine sehr publikumswirksame Schnittmenge ansprechen dürfte. Unbedingter Hörtipp! 

Für KW 36: Eden Shadow – Phases & Melodies For Maladies
Ryan Mark Elliott - Between a Disillusion and a Resolution & Head Above Water

White Knight Records bietet auf Bandcamp einen Sampler an, den man sich auch kostenlos runterladen kann: 17 Songs und Künstler, die das Treiben des britischen Labels sehr schön beleuchten. Highlights für mich: Kite Parade und Eden Shadow. Die beiden Longplayer der Band um Ryan Mark Elliott, der auch für das Songwriting verantwortlich ist, sind schon ein paar Jahre älter,  aber manchmal dauert`s eben ein bisschen länger… 
„Phases“ (2014) bietet einen wunderbaren Sound zwischen Prog und härteren Gitarren, mit komplexen Anteilen, ohne zu übertreiben und erinnert wiederholt an Porcupine Tree, auch wenn die Kompositionen nicht ganz an die eines Steven Wilson heranreichen können. Aber ich mag den Härtegrad und den musikalische Ansatz! „Melodies For Maladies” (2016) ist da schon einen ganzen Schritt professioneller: Gute Hooklines, geniale Breaks, immer wieder überraschende Wechsel, gute Songs. Hier und da gibt es progressive Elemente, die vielleicht nicht immer unbedingt songdienlich sind, aber vor allem an den beiden abschließenden „Introspect Part 2“ (18:59 min!) und „Logos“  06:19  gibt es wenig auszusetzen. Eden Shadow war Elliott „University Project” und nach diesen ersten Schritten machte er solo, bzw. v.a. unter eigenem Namen weiter. Das ermöglichte ihm, wie er sagt, eine größere musikalische Bandbreite und auch Kollaborationen. Die Grundausrichtung bleibt die gleiche, auch hier gibt es immer wieder schönen Steven Wilson Verweise, bzw. Parallelen, aber die Songs sind deutlich unprogged, also entschlackt. Ich empfehle da mal das aktuellere „Head Above Water” (2022), ein tolles, melodisches Rock-Album mit durchaus Prog-typischen Anleihen, wie z.B. in „Restlessness (7:26) oder „Hallucinogen” (10:04). Aber auch „Between a Disillusion and a Resolution" (2020) ist, sorry!, eine ebensogute Wahl! Ach, und apropos die eingangs erwähnten Kite Parade (siehe auch CD der Woche KW 15/2022 ("The Way Home"): Mit deren Andy Foster steht Elliott in engem Kontakt und tourte mit der Band als Gitarrist – weitere Aktivitäten sind geplant. 

Für KW 35: Fixation - More Subtle Than Death (Indie Recordings)

Es gibt Bands, die sind, wenn sie im richtigen Moment auftauchen, so belebend wie die Luft zum Atmen. Ein Gefühl, das ich z.B. hatte, als ich zum ersten Mal The Intersphere gehört habe oder die Blackout Problems. Kommt also selten, aber trotzdem durchaus hin und wieder vor. Jetzt also die Norweger Fixation mit ihrer explosiven Mischung aus elektronischen Elementen, Stadionrock und Post-Metal. Nach einer EP und diversen Festivalauftritten, mit denen sie bereits für einige Aufmerksamkeit sorgen konnten, ist „More Subtle Than Death“ jetzt ihr Debütalbum – und es dürfte der Startschuss für eine große Karriere sein! Dieser Band gehört die Zukunft. 9 Songs, die dich mitreißen wie im Rausch – und viel zu schnell vorbei sind. Eine Achterbahnfahrt aus Melancholie und Aggression, aus Referenzen an Bring Me The Horizon, Thrice und Thirty Seconds To Mars – mit einem atemberaubenden Sänger Jonas Hansen.  

Für KW 34: Dream the Electric Sleep - The Giants' Newground / American Mystic

Eigentlich sollten an dieser Stelle nur ein paar Zeilen zum neuen Album des Trios aus Kentucky stehen: „American Mystic“ ist das erste Album seit dem 2016er „Beneath The Dark Wide Sky”, weshalb man sich schon wundern durfte, warum es dieses Mal so lange gedauert hat. Bei den Vorgängern hatten sie nämlich bislang jeweils nur 2 bis 3 Jahren gebraucht. Nun, ein Grund könnte die Wiederveröffentlichung ihres 2008er Pre-Debütalbums „The Giants' Newground“ sein. Offizielle Statements dazu von der Band sind rar im Netz. Das Album stammt aus der Zeit vor der offiziellen Bandgründung und galt lange als verschollen. Geschrieben von Sänger und Gitarrist Matt Page und Drummer Joey Waters wird auf der neuen Version aber auch Bassist Chris Tackett zumindest als beteiligter Musiker aufgeführt. Und während die Band ihre Richtung schon hier weitgehend definiert, zeigen schon die Setlist von 16 Songs und die Tatsache, dass 10 davon unter 5 Minuten lang sind, dass sie hier ein wenig straighter agieren. Die 6 Songs zwischen 5:29 und 7:17 ziehen dann aber auch bereits alle Register, die sie auf ihren weiteren Alben etabliert haben. 
Was uns zum neuen Album bringt: “American Mystic” startet dann auch genauso, wie man es von ihnen liebt: „Beyond Repair“ bringt es inklusive Intro auf gut 6 Minuten und sorgt für erste extatische Explosionen, die im folgenden „Forged in the Furnace“ trotz kompakter Single-Länge gar nicht abebben wollen. Wenn ihr also auf eine Dreiviertelstunde Gänsehaut steht, solltet ihr dieses Album laut hören! Die Jungs produzieren noch immer einen Sound, der einem Orchester näher kommt, als man es einem Trio zutrauen würde. Grandioses Hooklines, perfekter Sound, eine wuchtige Rhythmusfraktion und cleane Gitarren sowie geniale Gesangsarrangements. Rock in Stadion-Breitwandformat, der mal nach Angels & Airwaves, mal nach Anathema, mal Mystery, Journey oder Kansas klingt. 8 Songs plus Intro zwischen drei und zehn Minuten, die es auf eine Spielzeit von einer Dreiviertelstunde  Wall-of-Sound-Rock-Vollbedienung bringen. Ein weiteres Mega-Album!

Für KW 33: Movements - Ruckus (Fearless Records)

Die einen feiern immer noch Inhaler, die Band um Bono Vox-Sprössling Elijah Hewson, für ihr Debütalbum „Cuts & Bruises“ als die Neuentdeckung des Jahres. Ich hab schon mich wieder neu verliebt: Movements aus Kalifornien, gegründet 2015 mit ihrem dritten Album „Ruckus“. Ich gebe zu, es ist in erster Linie der Song „Tightrope“, der so eine perfekte Balance aus Hookline, Melancholie und Kante liefert, das man den Rest einfach nur mitzelebrieren kann. Ein Song, der in seiner Intensität an Lewis Capaldi erinnert. Aber letztlich gibt es keinen Schwachpunkt, deshalb lohnt sich auch insgesamt ein genaueres Hinhören.  
Das Album beginnt mit „You're One Of Us Now” relativ wild zwischen Indie Rock und Punk, danach wird es erst einmal gemäßigter. Im vierten Song, „Heaven Sent“ sind sie fast im Pop angekommen, bevor sie mit dem folgenden „Tightrope“ ihren Song für die Ewigkeit geschrieben haben. Danach wird es auch wieder lauter – mit einer sehr mitreißenden und bunten Mischung aus Indie Rock und Post-Hardcore-Momenten, die aber immer wieder mit genialen Hooklines punkten. Ein tolles Album! Um den Bogen zum Anfang und zu Inhaler zurückzuschlagen: Ähnlich wie die Iren erinnern sie wiederholt an U2, bringen aber anstelle der manchmal zu großen Pop- eher Indie-Rock-Anteile mit rein, die dann an Acts wie We Were Promised Jetpacks erinnern.

 

Für KW 32: NMB - An Evening of Innocence & Danger: Live In Hamburg (InsideOutMusic/Sony Music) & Neal Morse - The Dreamer - Joseph: Part One (Frontiers Music)

Zwei Mal Neal Morse innerhalb eines Monats: Nachdem er am 14.7. sein neues (3-CD-)Live Album „An Evening of Innocence & Danger: Live In Hamburg“ veröffentlicht hat, schickt er am 11.8. noch ein neues Studio Album nach. Also der Reihe nach: Auf seinem neuen Live Album beweist Neal Morse einmal mehr seine Live-Qualitäten. Mit technisch brillanter Band, dem kompletten „Innocence & Danger“-Album sowie einem „Great Similitude Medley“, mit dem er zeigt, dass er nicht nur genial komponieren, sondern auch noch genauso gut re–arrangieren kann.

Und apropos genial komponieren: das beweist er wiederum mit seinem neuen Studio Album, „The Dreamer - Joseph: Part One”, einer Fortsetzung seiner „Jesus the Exorcist“ Albums. Also Vorsicht: Es wird mal wieder ein wenig kirchlich-orientierter. Inklusive Halleluja, Heaven und Hell, aber genial arrangierten Chören. Wem der kirchliche Bezug also nichts ausmacht und einmal mehr all das hören möchte, was wir an den frühen Spock`s Beard Kompositionen und Alben geliebt haben, inklusive Stimmungswechseln, Laut-Leise-Dynamik, variablen Gesangsarrangements, atemberaubenden Gitarrensoli und einmal mehr Ted Leonard und Talon David als Gastsänger_innen, dem sei dieses Album empfohlen! 

Für KW 31: Various - The Endless Coloured Ways: The Songs Of Nick Drake
(Chrysalis)

Ich muss zugeben, dass ich nicht vertraut war mit der Musik von Nick Drake. Versuch einer Entschuldigung: 1974 nach drei heute als legendär bezeichneten Alben im Alter von 26 Jahren (an einer Überdosis Antidepressiva) gestorben fand seine Karriere deutlich vor meiner musikinteressierten Zeit statt. Zugegeben, ein Blick in wikipedia verdeutlicht, dass es in den letzten Jahr(zehnt)en wiederholt Gelegehnheit gegeben hätte, auf ihn aufmerksam zu werden. Aber: Es ist nie zu spät - und schön, wenn sich wie in diesem Fall Künstler an sein Oevre erinnern – und verdeutlichen, warum seine Alben heute als legendär gelten. 25 Songs von so unterschiedlichen Künstlern wie (den mir bekanntesten) David Gray, Bombay Bicycle Club, Ben Harper, Emeli Sandé, Liz Phair oder Philip Selway decken eine beachtliche Stilbreite ab, haben aber eins gemein: Sie sind unglaublich schön! Anders lässt sich das gar nicht sagen. Dabei fängt es noch harmlos an, wird aber immer besser! Spätestens ab dem Titelsong (bzw. dem Song, in dem die Titelzeile vorkommt, Let s Eat Grandmas „From The Morning“ sind die Songs magisch bezaubernd. 
Tolle Songs, toll Künstler, tolle Versionen, tolle Abwechslung. Wenn ich einen vergleichbar gelungenen Tribute-Sampler anführen sollte, würde ich „Two Rooms“ (Elton John) anführen. Wobei da deutlich größere Stars ihr Stelldichein gegeben haben. Völlig unnötig: „The Endless Coloured Ways” hat keine großen Namen, ist aber großes Kino!

Für KW 30: Greta van Fleet - Starcatcher (Republic / Universal Music)

There`s been a lot of talk about this next band, maybe…maybe too much talk. This band is not a rebel band, this is Greta van Fleet. Diese legendäre Songansage von Bono Vox, nur in einem Wort zweimal geändert, ging mir wiederholt durch den Kopf als ich über dieses Album nachdachte. Nein, Rebellen sind die Kiszkas Brüder nicht mehr mit diesem Sound, aber sie wurden spätestens mit ihrem zweiten Album „The Battle at Garden`s Gate“ mit so vielen Lorbeeren bedacht, da konnte man schon mal Bedenken haben, wie sie damit weiter würden umgehen können. Da sprach nicht nur Slash von den „Rettern der Rockmusik“. Mehrere Nr. 1 Platzierungen und 200+ Millionen Streams bedeuten... und letztlich machen ja etwas! Aber von gestiegenem Druck ist auf dem Album nichts spürbar. Die Band agiert genauso locker und souverän wie auf ihrem Vorgänger, die Songs versprühen immer noch den unbändigen Drive der Jungs und besitzen die majestätische Epik, die jeden einzelnen zum Monument werden lässt. Beeindruckend! Da sie zudem noch abwechslungsreich sind, ist man in keinem Moment überfordert, gelangweilt oder genervt. Ist das noch Retro? Allein durch die bestehenden Led Zeppelin Parallelen, ja, aber dabei sind sie auch genauso zeitlos, mehr noch als ihre Vorläufer mit ihren vielen zeitlosen Hits bewiesen haben.
Das dritte Album beweist die Größe einer Band? 
Nun, in diesem Fall ist dem bereits Gesagten nichts hinzuzufügen. 

Für KW 29: Ayron Jones - Chronicles Of The Kid (Big Machine / John Varvatos)

Ein bisschen fetter als das erste Album, ein bisschen härter auch, aber immer noch mit gelungenen Hooklines: Toller Rock zwischen Lenny Kravitz, Prince und Papa Roach. Was auf den ersten Blick schon erst mal eine Spannbreite ist, aber bei genauerer Betrachtung ist der Abstand hier gar nicht so groß: Alle sind gitarrenbasiert, alle haben jede Menge Power in ihrer Musik und letztlich basiert doch alles auf Blues, oder? Und entsprechend füllt Ayron Jones diese Lücke auch auf seinem zweiten Album ganz ausgezeichnet. Optisch würde man ihn spontan eher dem Hip-Hop Genre zuordnen, aber aus Seattle stammend ist er offensichtlich eher von Kurt Cobain und Jimi Hendrix beeinflusst. Dazu hat er den Groove und bei seiner Biografie (als Kind von seinen drogenabhängigen Eltern verlassen) hat er den Blues im Blut, spielt fantastisch Gitarre und er schreibt gute Songs. Bzw. er hat gute Songwriting Partner: Bis auf das abschließende, grandiose „On Two Feet I Stand“ hat er mit u.a. Blair Daly, Marti Frederiksen, Zac Maloy und Scott Stevens gleich mehrere davon vereint. Sein Debüt reihte ihn ein in die relativ kurze Liste schwarzer Künstler, die Platz 1 der Billboard Rock Charts erreicht haben, brachte ihn ins Vorporgramm der Rolling Stones und Guns n' Roses. Mal sehen, wohin ihn dieses Album trägt. 

Für KW 28: Legacy Pilots - HELIX (Bandcamp)

Der Hamburger Musiker Frank Us hat sich einmal mehr extrem spannende Gastmusiker ins Boot geholt, darunter John Mitchell, Marco Minnemann, Pete Trewavas und Steven Rothery. Während Mitchell bei zwei Songs singt und am Songwriting beteiligt war, steuern die anderen drei ihr Spiel, bzw. Solo in jeweils einem Song bei. Soll heißen: Während die beiden Opener schöne Züge von Mitchells Projekten zeigt, sind die anderen nettes name-dropping und Sound- bzw. Einfluss-Suchspiel. Einflusseicher sind da schon die Beiträge von Kansas-Mitbegründer Jake Livgren, der ansonsten sehr gelungen den Gesang übernimmt und die der Mitmusiker Todd Sucherman (dr), Carsten Rehder (g) und Lars Slowak (bs). Songwriting, Keyboards und Gitarren kommen ansonsten vom Hamburger, der eigentlich nur mal ein Album hatte produzieren wollen neben seiner Auftragsproduktionen für Jingles und Werbung. "Helix" ist mittlerweile sein 4. Album. Und das Spannendste bislang! Was vor allem an seiner Aufteilung liegt. 
Bereits die ersten vier Songs norden den Hörer gelungen ein, nach den beiden Songs mit John Mitchell folgen mit "A Sense of Hope" und "A little Differently" (tolle Steigerung!) die beiden ersten Highlights: Kernig, mitreißend, kompakt und doch abwechslungsreich! Hier hat Us seine Stärken gebündelt und in klasse Songs gegossen. Das folgende "re-sponse" (in 8 Akten) lässt sich mehr Zeit, kann aber durch die gleichen Zutaten auch über 17 Minuten begeistern mit tollen Passagen, Soli und immer wieder überraschenden Wendungen, ohne zu verkopfter Prog zu sein. Nach zwei weiteren Songs folgen dann drei Instrumentals, die passenderweise "Exploring my DNA" Us´ erste Liebe und Haupteinflussquelle zelebrieren: Keith Emerson. Diese Seite hatte mich auf dem letzten Album ("The Penrose Triangle", 2022) noch etwas gestört, weil sie den Fluss des Albums unterbrachen. Hier beschließen sie das Album auf wunderbare Weise - fast! Denn zum Abschluss gibt es nach 60 Minuten Spielzeit noch zwei Bonustrack in Form von alternativer Versionen von "A little Differently" (feat. Doug Pinnik) und "True Spirit" (Single Version). Meine Hochachtung: Ein sehr professionelles, abwechslungsreiches und extrem gelungenes Album! 

Für KW 27: AVKRVST – The Approbation (InsideOutMusic / Sony Music)

Ein neuer Name aus Norwegen, ein spannendes Debütalbum: Martin Utby (dr, k) und Simon Bergseth (g, b, v) hatten im Alter von 7 Jahren einen Pakt geschlossen, mal ein Album zu veröffentlichen. 22 Jahre hat es gedauert, geschrieben in einer Hütte in den norwegischen Wäldern, aufgenommen mit Øystein Aadland (b, k), Edvard Seim (g) und Auver Gaaren (k). Sie haben das atmosphärische von Steven Wilson, und auch die progressiven Elemente erinnert stark an seine Handschrift. Entsprechend bleiben Porcupine Tree-Reminiszenzen ein ständiger Begleiter der CD – aber auf so gute und sympathische – und letztlich so eigene Art, dass es nicht stört! Zudem sind die Gitarren bisweilen mehr Metal – immer wieder herrlich kontrastiert durch den soften Gesang - und auch der Gesang schlägt das eine oder andere Male in Extreme, die man – Opeth-like – einfach mal als erweitertes Stilelement akzeptieren muss. 
Denn es lohnt sich, dabei zu bleiben. "The Approbation" enthält 7 Tracks, die sich grob dem atmosphärischem Prog Metal zugeordnet werden können, aber so viele interessante Zwischenparts einbauen, dass auch Nicht-Metal-Fans auf ihre Kosten kommen. Die düstere und intensive Stimmung hängt viel mit dem Konzept des Albums zusammen, eine Story über eine düstere Seele, die mit ihren Gedanken allein gelassen wird, isoliert in einer Hütte tief in den dunklen Wäldern, weit weg von der Zivilisation. Die 7 Songs führen den Hörer durch die Gedanken eines Mannes der mit der Akzeptanz des Todes kämpft und dabei in den Abgrund gezogen wird. Interessanterweise scheint es noch einen 8. Titel zu geben, denn statt der existierenden gut 48 Minuten spricht der englische Teil des Infos von 55 Minuten…. sehr mysteriös! 

Für KW 26: Stewart Copeland - Police Deranged For Orchestra (BMG)

Wie Jazz-kompatibel die Songs von The Police sind, hat Sting bereits auf seiner „Bring on the Night“ Tournee (bzw. dem gleichnamigen Live-Album) bewiesen. Wie sehr die Songs auf seine Stimme zugeschnitten sind, bzw. wie schwer es ist, seine Songs in akzeptabler Weise zu singen, weiß man, wenn man mal eine Stadtfest-Band erlebt hat, die sich daran versucht hat – und das wird auch nicht besser, wenn man den Kontrast durch eine weibliche Frontfrau versucht. 
Nun, Stewart Copeland darf alles mit seinen Songs machen, er hat sie mitgeschrieben, ist Originalmitglied, ihm kauft man das ab wie man es Sting abgekauft hat. Copeland legt noch einen drauf und arrangiert, bzw. derangiert die Songs für ein komplettes Orchester, bringt Jazz mit rein und beschränkt sich nicht auf eine Frau, sondern gleich drei Sängerinnen, die sich gegenseitig ergänzen – und das auf einem Niveau, das weit oberhalb jeden Stadtfest-Niveaus liegt. Eine der Stimme erinnert bisweilen an Oleta Adams – ist sie aber nicht: Amy Keys, Carmel Helene und Ashley Támar heißen die drei. Und nach anfänglicher Skepsis ist man recht schnell an die Umstellung gewöhnt und kann die Songs in ihrer neuen Form genießen. Zumal die Playlist neben den Unvermeidlichen („Message in a Bottle“, Every Breath you take“) die zumeist besseren Hits (Every little thing..“; „King of Pain“, „Can´t stand losing you”) auch noch ein paar Unerwartete dabei hat. Die wären live wahrscheinlich noch erweitert worden – sowohl numerisch als auch in ihrer Ausgelassenheit, wie sie manche der Songs jetzt schon wunderbar zelebrieren. Leider sind die Juli-Termine (inklusive Bremen, 20.7.23) nach monatelanger Ankündigung in letzter Minute wegen Krankheit abgesagt worden. Nachholtermine wurden bislang nicht verkündigt. Also müssen wir uns an die CD halten!

Für KW 25: Billy Talent - Live At Festhalle Frankfurt (WEA)

Zählen Albumverkaufszahlen noch etwas? Oder sind es die Streams, die den Erfolg ausmachen? Mit international fast 3 Millionen verkaufter Alben, davon 1,3 Millionen in Deutschland, sind Billy Talent sind eine der erfolgreichsten kanadischen Bands. Ihre Musik wurde weltweit fast 2 Milliarden Mal gestreamt, dazu kommen Auszeichnungen wie 7 Juno Awards in Kanada oder der „Legends of Live Special Achievement Award“.
Die im Nebensatz genannten deutschen Zahlen erkläre indes,warum sie ihr erstes Live-Album seit 15 Jahren („666“) in Frankfurt aufgezeichnet haben. Das Publikum empfängt die Band mit offenen Armen!
Eine sehr sympathische Show in der ausverkauften Festhalle, ein Frontmann, der unglaublich dankbar ist für die Publikumsreaktionen, tolle Zwischenansagen („At a Billy Talent show we take care of each other“ – was auch andeutet, dass es zwischendurch hier durchaus auch abgeht im Publikum), emotionale Post-Covid Texte, extrem hörenswert! Und nachdem Billy Talent früher ja den eher Punk Ansatz verfolgt haben, wundert man sich, wie gespickt ihr Programm mittlerweile mit Hits ist. Hammer! Richtig fett!

Für KW 24: Steve Lukather - Bridges (The Players Club/ Mascot Label Group)

Man könnte ihm ja vorwerfen, dass er Toto auflöst und wieder zusammenführt, wie es ihm in den Sinn kommt – oder wie es ihm gerade am besten passt, z.B. zugunsten seiner Solo-Aktivitäten. Was ja gar kein so großes Ding wäre, wenn er nicht jedes Mal so einen Film draus machen würde. In einem Moment sagt er, nie wieder und schimpft wie ein Rohrspatz, im nächsten lobt er die alten Haudegen wieder ob ihrer einmaligen Gesellschaft. Naja, irgendwie muss man ja für Schlagzeilen sorgen. Dabei würde in seinem Fall auch die Musik alleine schon für sich sprechen. Jetzt also mal wieder unter eigenem Namen, allerdings alles andere also solo. Nachdem sowohl Luke als auch seine beiden Hauptmitstreiter David Paich und Joseph Williams zuletzt eigene Soloalben veröffentlicht haben, haben die drei nun ihre Kräfte gebündelt – und lassen nebenbei das Statement fallen, dass Toto „nie wieder ein Studioalbum aufnehmen wird“. Dazu kommen weitere Songwriting-Koryphäen wie die langjährigen Lukather-Genossen Stan Lynch und Randy Goodrum und Gäste wie Simon Phillips, Lee Sklar, Lukes Sohn Sohn Trev Lukather und Gov’t Mule Bassist Jorgen Carlsson. Das Ergebnis ist ein voller Erfolg: „Bridges“ ist zu 100% Toto. Zumindest die „Lukather-Seite“ der Band, wie wir z.B. vom „Tambu“-Album ausführlich kennen, aber auch bei jedem andere Album zum Tragen kommt. Entsprechend ist die Abwechslung also etwas begrenzter und beschränkt sich das Repertoire auf eine Mischung aus Toto/AOR-Pop („Bridges“), Journey-Melodic Rock (in der Tat war mir nie aufgefallen, wie nah Lukathers Melodic Rocker der anderen US-AOR-Insitution sind), wie „When I See You Again“ und 1A-Sahne-Balladen, die dann wieder Gary Moore ähnlich sind („Take my Love“). Songs schreiben kann er, singen auch und Gitarre spielen sowieso. Und all das beweist er mit jedem Song auf diesem Album. Schade nur, dass es zwar 10 sind, er damit aber nur auf rund 35 Minuten kommt. Das haben die letzten Bandalben allesamt übertroffen!

Für KW 23: Einar Solberg - 16 (InsideOutMusic/ Sony Music)

Da hatte ich gerade gedacht, die Londoner Sleep Token nutzen die veröffentlichungsfreie Zeit aus dem Hause Leprous, um mit ihrer eigenen faszinierenden, ähnlich abwechslungsreichen Mischung  aus Prog und Rock und Metal und Jazz und Pop durchzustarten (s.u., KW 19) – da kommt Leprous-Frontmann Einar Solberg. Der Sänger der Norweger veröffentlicht sein erstes Soloalbum. In Kollaboration mit einer Reihe von gleichgesinnten Songwritern und Musikern – Ben Levin (Bent Knee), Toti Gudnason (Agent Fresco), Magnus Børmark (Gåte), Ihsahn u.a. – liefert er eine Songsammlung ab, die denen seiner Band Leprous in nicht viel nachstehen. Deutlichster Unterschied: Die Metal-Elemente fehlen, aber ansonsten bedient er sich einer vergleichbaren Bandbreite von Prog über leise bis zu experimentellen Tönen, klassische und symphonischen Einlagen, Bombastpassagen und überraschenden Breaks und Stimmungswechseln. Dazu kommen sehr persönliche Texte – der Albumtitel „16“ bezieht sich auf seine Jugend (“That’s when I kind of lost my innocence and I started realising that life is serious and bad shit can happen“) und die musikalische Vollbedienung: 70 Minuten voller Überraschungen, Longtracks bis zu 11 Minunten. Mega!

Für KW 22: Foo Fighters - But Here We Are (Roswell/RCA)

Und wieder zurück an den Drums: Nachdem mit Taylor Hawkins ein weiterer seiner musikalischen Weggefährten von uns gegangen ist, hat Dave Grohl nicht nur das Songwriting und den Gesang, sondern wie in alten Nirvana-Zeiten auch die Drums wieder unter seine Fittiche genommen. Was wohl vorerst nur für das Album gilt, aber darum geht es ja hier. Und zwei Jahre nach „Medicine at Midnight“ präsentiert das eine der größten Rockbands unserer Zeit wieder zurück auf der Spur! Der Vorgänger war ja erschreckend kommerziell, gezähmt, zahnlos, nenn es wie du willst, ich sage mal schwach ausgefallen. Aber vielleicht ist Grohl bewusst geworden, dass er das a. gar nicht nötig hat und b. ihn auch nicht in neue Sphären aufsteigen lässt – falls er das überhaupt wollte. Mit „Rescued“ und „Under You“ startet das Album erfrischend knackig und nach kurzer Verschnaufpause ist auch das Titelstück wieder ein Rocker erster Güte. Klar, es gibt auch ruhigere Töne, aber die sind in überschaubar kleiner Zahl und deswegen nur willkommene Abwechslungen. Eine ausgewogene Sammlung guter Songs und gelungener Hooklines und mit „The Teacher“ ein (zehnminütiges!) Opus über eine weitere Person, die er verloren hat: Seine Mutter. Ein großes Album und ein richtig gutes dazu!

Für KW 21: The Intersphere - Wanderer (Odyssey Music)

Seit ihrem Knaller-Debütalbum „Interspheres><Atmospheres“ (2010, den Vorläufer unter anderem Namen kannte zu der Zeit ja noch keiner) besetzen die Mannheimer einen Stammplatz in der Liste der Bands, die mit der Ankündigung eines neuen Albums bei mir für einen erhöhten Puls sorgen. Zwar konnten die weiteren Alben der vier Popakademie-Absolventen keine vergleichbaren Sensationen entfachen, aber das wäre auch wohl zu viel verlangt. Stattdessen können sie immer wieder aufs Neue mit ihrer grandiosen Mischung aus Rock, Pop, Prog und Alternative überzeugen, haben längst ihren eigenen Trademark-Sound entwickelt, den sie immer wieder aufs Neue austarieren und in neue Ecken vorstoßen. So hat auch das neue Album mit dem Titelstück einen perfekten Opener, in „Down“ oder „Heads Will Roll“ fette Metal-Sounds eingebaut und in „Who Likes To Deal With Death?“ Funk-Elemente mit wunderbaren Melodic-Breaks. Muse winken aus der Ferne in „A la Carte“, „Corrupter“ lässt es etwas straighter angehen, die beiden abschließdenen „Treasure Chest“ und „Under Water“ eher ruhiger. Aber kein Song läuft einfach nur durch, immer wieder gibt es überraschende Wendungen und Breaks, die begeistern, ohne dass man Prog-Fan sein müsste, um ihnen zu erliegen. Schade nur, dass der ganze Spaß nach knapp 38 Minuten schon wieder dabei ist!

Für KW 20: Def Leppard - Drastic Symphonies (Universal Music)

Den Stempel Hardrockband tragen die Briten seit Langem nur aus guter Tradition – und weil es ihrer inneren Überzeugung wahrscheinlich immer noch am nächsten kommt. Gestartet als NWOBHMetal-Band standen sie sich streng genommen bereits mit ihrem Erfolgsalbum „Hysteria“ (1987) dem Pop/Rock-Genre näher als dem klassischen Hardrock. Spätestens ihr 2006er Coveralbum „Yeah“ zeigte auch, wo es, bzw. wo sie als Band herkam.
„Drastic Symphonies“ zeigt das genauso. Auf komplett andere, deutlich aufwändigere Art und vor allem mit ihren eigenen Songs. Mit dem Londoner Royal Philharmonic Orchestra aufgenommen wurden aus den alten Hits und Klassikern jetzt symphonisch arrangierte Pop-Songs. Nicht einfach mit klassischem Hintergrund erweitert, sondern in der Tat an vielen Stellen neu arrangiert. Was eine Leistung ist, allerdings wahrscheinlich nicht die der Band selbst. Produziert von Ronan McHugh und Nick Patrick, dürfte es am ehesten auf Arrangeur Eric Gorfain (Neil Diamond, Ryan Adams, Christina Aguilera) zurückgehen. So zahnlos das Ergebnis ist, es hebt die Schönheit der Kompositionen noch einmal auf neue Art hervor – und so manchmal reichen ja auch die großen Melodien zum glücklich sein. Joe Elliots neuer Gesang dazu, hier und da noch ein gutes Gitarrensolo verbaut, dann macht´s am meisten Spaß, Ungeachtet ihrer eingangs in Frage gestellten Genre-Zugehörigkeit erscheint dieses Album gerade rechtzeitig zum Auftakt der Co-Headliner-Tour mit Mötley Crüe. Ob dieses Album, bzw dessen mitunter etwas arg lieblichen Versionen der Songs dabei eine Rolle spielen werden?

Für KW 19: Sleep Token - Take Me Back To Eden (SPINEFARM)

Ich liebe Alben, die dich durch den ganzen Tag tragen. Weil sie so abwechslungsreich sind, dass man auch nach dem fünften oder sechsten, siebten, achten Mal hören noch überrascht ist und neue Dinge entdeckt. Und während ich beim Hören ja immer auf der Suche bin nach dem Stück, was ich stellvertretend für das Album oder aber als Album-Highlight in meiner „Blizzard Friday Night Rock Show“ spielen kann, kann ich mich Sleep Token immer noch nicht etscheiden. Dabei habe ich es heute den ganzen Tag über im Garten gehört, lediglich unterbrochen von 2 Stunden Bundesliga Show auf NDR 2. Werder bleibt in der Bundesliga, Hertha steigt ab und dass die Bayern ihre Meisterschaft verspielen, war ja nicht abzusehen, deswegen hatte ich mich ab 17:30 Uhr schon wieder dem Album gewidmet. Was für ein Meisterwerk! Sleep Token agieren ähnlich den norwegischen Kollegen Leprous, nur mit deutlich weniger gewöhnungsbedürftigem Sänger. Aber was diese Jungs aus London an Abwechslungsreich tun auf ihrem Album präsentieren, ist genial. Von deftigen Metalsounds bis zu melancholischen, leisen Tönen ist alles dabei. Progressive Einschübe, Crossover-Rap-Einlagen, Jazzklänge und liebliche Töne bis hin zu effektvollen DeathMetal Screamo. Sensationell! „Take Me Back To Eden“ ist dabei der dritte Teil ihrer Trilgie, die 2019 begann und hiermit ihren klaren Höhepunkt erlebt. Anathema ließen sich als weitere Referenz anführen, aber nur um eine Orientierung zu geben. Vergleichbar ist hier eigentlich nur Leprous. Deswegen kann ich hier nur eine absolute Empfehlung aussprechen. Viel Spaß damit!

Für KW 18: Neal Schon - Journey Through Time    (Frontiers Music)

Ein Konzert von Neal Schon ist zwangsläufig eine Reise durch die Zeit: Seit den frühen 70ern auf internationaler Bühne dabei, startete er mit Santana, lernte da Keyboarder Greg Rolie kennen und gründete mit ihm Journey. Der ist zwar seit 1980 nicht mehr bei Journey dabei, bleibt aber für Schon ein Verbündeter. Und als Schon im Februar 2018 zwei Benefizkonzerte für die Opfer der Feuer in der San Francisco Bay Area spielte, war er an seiner Seite. Mit dem Ergebnis, dass der diese Konzerte einiges an gemeinsamen Songs und Alben in Erinnerung ruft. Neben Solosongs gibt es also auf insgesamt drei CDs und 161 Minuten lang auch Songs aus den ersten drei Journey-Alben, bei denen Rolie auch wieder den Gesang übernimmt. Da Deen Castronovo ohnehin am Schlagzeug dabei war, übernimmt der für die unvermeidlichen Journey-Klassiker – und einige weitere Raritäten aus ihrer Diskographie – die Rolle als Frontmann. Und an den fünf Jahre alten, unbearbeiteten Aufnahmen wird deutlich, warum er für die Ansprüche der Kultband zwar im Studio locker mithalten kann, aber live nicht ganz an die Frontmannqualitäten seiner Kollegen anknüpfen kann. Zum Abschluss noch zwei Santana-Klassiker und immer wieder grandiose, ausufernde Gitarrensoli des Namensgebers. Ein karriereumspannender Rückblick, der es nicht verdient hätte, in den Archiven zu verstauben. Leider entspricht die Klangqualität nicht mehr ganz aktuellen Standards, aber das fällt nach kurzer Zeit nicht mehr ins Gewicht.

Für KW 17: Lakes - Elysian Skies (Big Scary Monsters)

Wer A sagt, muss auch B sagen. Und wer Lies („Lies“, siehe KW 11) bespricht, muss auch das neue Album von Lakes erwähnen! Zumal die Briten die Kollegen von American Football sogar als Einfluss erwähnen. Neben Fleetwood Mac, Phil Collins und Peter Gabriel. Womit ihr Sound schon ausreichend beschrieben ist, den Rest müsst ihr selbst nachhören. Mit „Deep End“ packen sie den vielleicht besten Song des Albums gleich an den Anfang – obwohl „Aces“ auch mega ist – und ehrlich gesagt ist es schwer, hier überhaupt einen Song über einen anderen zu stellen. Ein wunderbares Art-Pop Album voller wunderbarer Melodien, Abwechslungsreichtum, gekonnten Hooklines und variablem Gesang. Sehr schön! In der Art des Duett-Gesangs erinnern sie mich übrigens an die Band 1997!

Für KW 16: Revolution Saints - Eagle Flight  (Frontiers Music)

Ich kann es nicht ändern, auch wenn ich dem AOR Melodic Rock schon lange kaum mehr etwas abgewinnen kann, bleiben manche Bands so fest mit meiner musikalischen DNA verwachsen, dass sie mich auch weiterhin begeistern können.  Journey ist eine dieser Bands. Ihr Breitwand-Rock, ihre fett produzierte Mischung aus energetischen Rockern und bombastischen Balladen, kombiniert mit herrlich rauem Gesang und begnadeten Gitarrensoli schafft es in den allermeisten Fällen, nicht zuletzt dank grandioser Hooklines die Kitschgrenze zu umschiffen. Das war einmal mehr beim 2022er „Freedom“, dem ersten Journey-Album seit 2011, der Fall.
Seit 2015 ist ein Name dazugekommen, der über Drummer und (bei Journey gelegentlichem Zweit-)Sänger fest mit Journey in Verbindung steht, albumproduktionstechnisch ihnen aber weit überlegen ist. Dem selbstbetitelten Debüt kommt jetzt das mittlerweile 4. Album dazu, und einmal mehr steht hier die Qualität von Songwriting, Performance und Abwechslung auf  demselben, hohen Niveau. Was zum einen an der auch bei Journey immer wieder mal gezeigten gesanglichen Qualität (und Ähnlichkeit) zur Originalstimme liegt, zum anderen an den Mitmusikern, bestehend bei diesem Album erstmals aus dem atemberaubende Gitarristen Joel Hoekstra (Whitesnake, Transsiberian Orchestra) und Bassist Jeff Pilson (u.a. Foreigner). Ein rundum gelungenes Album!

Für KW 15: Niels Frevert - Pseudopoesie (Grönland Records)

Ist es Fishing for Compliments? Oder nur ein Beispiel für seinen Hamburger Humor? Es mutet schon etwas überraschend an, dass ausgerechnet einer der begnadetsten Poeten der deutschen Singer/Songwriter-Szene sein neues Album „Pseudopoesie“ nennt. Nun, immerhin ist es einer der Songtitel. Neben der Poesie und den Texten voller Intelligenz und Wortwitz ist es zudem die Musik, die so schön ist wie eine warme Dusche und eine Stimme zwischen Melancholie und Sehnsucht. Auch auf seinem siebten Album sich der Hamburger, der sich Anfang der 90er zunächst als Frontmann von Nationalgalerie einen Namen machte, einmal mehr von seiner besten Seite. Ohne sich in Soundexperimenten zu verlieren, sind seine Songs meistens auf das Nötigste reduziert und trotzdem voller Abwechslung. Klasse!

Für KW 14: Fall Out Boy - So Much (For) Stardust (Fueled By Ramen/Elektra/Warner)

Ein extrem abwechslungsreiches Album, zwischen Pop Punk und großer Stadion Rock Hymne. Das beinhaltet einige sehr ernste Songs und Töne, u.a. durch die Corona beeinflussten Texte, aber auch der Partyfaktor kommt nicht zu kurz. Und diese Mischung macht dieses Album extrem sympathisch. Letztlich ist es gerade diese Mischung aus unterschiedlichen Stimmungen und Genres, wegen der es Spaß macht, das Album wiederholt zu hören. Dazu kommen Überraschungen wieder Earth Wind & Fire-infizierte „What a Time to be Alive“, genauso wie die klassischen Töne zu Beginn des Albums und im abschließenden Titelsong. Absolut gelungen!

Für KW 13: City and Colour - The Love Still Held Me Near (Still Records/Dine Alone Records)

City and Colour ist das Pseudonym des Sänger, Songwriter und Performer Dallas Green, "The Love Still Held Me Near" ist bereits sein 7. Stuaioalbum. Und während er mit der Tiefe und Intimität seiner Songs bereits Fans auf der ganzen Welt gewinnen konnte, treibt er diese Qualitäten auf dem neuen Album auf einen neuen Höhepunkt. Grund dafür dürfte sein, dass die Songs von der schwierigsten Zeit in Greens Leben handeln, in der er u.a. seinen besten Freund und langjährigen Toningenieur Karl Bareham 2019 verloren hat. Spannend wird das Album aber v.a. durch die abwechslungsreiche Umsetzung: Wie schon in der ersten Single „Fucked it up“ bringt Dallas Green immer eine Dosis Rock mit rein – was seine Songs von der Qualität der Counting Crows, GooGooDolls oder Death Cab For Cutie wesentlich Rock-Affiner werden lässt. Leider trifft das erstmal nur auf die ersten drei Stücke zu. Danach wird’s etwas melancholischer und ruhiger, was die Songs nicht weniger schön macht, aber halt weniger Rock. Zum Ende hin legt er allerdings mit "Hard, Hard Time" und vor allem "The Water Is Coming" noch einmal richtig los und lässt es krachen. Ein tolles Album: Intensiv, schön, melancholisch, abwechslungsreich. Groß!

Für KW 12: Overhead - Telepathic Minds (https://overheadband.bandcamp.com)

Die Finnen haben sich in der Vergangenheit schon einen Namen machen können mit einem Sound zwischen melodischem Rock und progressiver Ausrichtung. Und auch das Hören des neuen Album bringt Vergleiche mit großen Namen ins Spiel: „Telepathic Minds“ passt bestens zwischen Pink Floyd, Transatlantic und in erster Linie Sylvan! Was dreimal für große Qualität steht - und in der Tat liefern die Finnen diese auch immer wieder. Wobei nicht alle Songs auf ganzer Länge überzeugen können, aber es tauchen immer wieder tolle Ideen und Momente auf, Abwechslung und starke Soli inklusive. Und bei 90 Minuten Gesamtspielzeit darf man sich auch die eine oder andere Länge erlauben. 
Musikalisch halten sich die progressiven Elemente in Grenzen - die „Taktwechselfrequenz" würde ich ungefähr mit Saga vergleichen wollen - sie kommen vor, stören aber den Fluss des Songs nicht wirklich. Sehr gutes Album!

Für KW 11: Lies – Lies (Big Scary Monsters / The Orchard)

Mike und Nate Kinsella sind eigentlich Mitglieder der US-Indierock/Emo-Band American Football – neben diversen weiteren Projekten, die sie betreiben. Beim Schreiben neuer Songs entdeckten sie die gemeinsame Vorliebe für einen Sound, für den sie diesen neuen Bandnamen ins Leben riefen. Lies spielen Pop. Art-Pop, um genauer zu sein. Diese wunderbare Mischung, die man sonst von Künstlern wie Peter Gabriel oder Paddy McAloon (Prefab Sprout) kennt, Das Tears For Fears-Duo Orzabal und Smith oder auch Midge Ure in ihren besten Momenten, alles Namen, in die sich die beiden Cousins locker mit reinreihen dürfen. Raffinierte Keyboardmelodien, markante Hooklines, entspannte Streicher, dezent angeschlagene Gitarren und groovige Rhythmen wechseln sich ab. Wunderbar!

Für KW 10: The Black Cat`s Eye - The Empty Space Between A Seamount And Shock-Headed Julia (Tonzonen / Soulfood)

In der Regel tue ich mich schwer damit, in meiner Sendung Instrumental-Tracks zu spielen. Dieses Mal konnte ich nicht anders: Ihr Opener "Kill The Sun And The Moon And The Stars" ist so eine fantastische Mischung aus Pink Floyd Atmosphäre und Postrock, dass ich nicht umhin kam, ihn zumindest leicht gekürzt zu spielen (Blizzard). Zudem ist es nur ein Beispiel für ihre Qualitäten: Auch das knapp 6-minütige "In My Dreams The Wind Chases Away The Clouds" besteht aus den gleichen Zutaten und ist so gut, dass man locker in einer weiteren Sendung nachlegen könnte. Dabei ist es gar nicht nötig. Denn das Frankfurter Quintett agiert so abwechslungsreich, dass man problemlos auch andere Songs findet: Im vierminütigen „Winter Song“ und vor allem im tollen Abschluss „Lostlostlostlostlostlostlostlost“ kommt auch Christian Blasers Gesang zum Einsatz. Weitere Beispiele für die abwechslungsreiche Songwriterkunst zwischen klassischem Psychedelic Rocks und immer wieder auch härteren Rock-Elementen – das kann schon mal dabei rauskommen, wenn drei Gitarristen an Bord sind. Ein tolles Debütalbum!

Für KW 9: Haken - Fauna (InsideOut/Sony Music)

Sie stehen für modernen – und oft unberechenbar abwechslungsreichen Progressive Metal: Bereits mit ihrem Debüt „Aquarius“ 2010 stellten die Briten klar, dass sie das Genre neu denken. Und egal, ob sie in der Folgezeit eher Wave-orientierter oder metallischer unterwegs waren, sie blieben ihrem Trademark-Sound irgendwie immer treu. Was sicherlich auch an Sänger Ross Jennings lag, dessen sanftes Timbre immer einen gelungenen Kontrast zum Metal-Ansatz seiner Kollegen darstellte – und der im Zusammenspiel mit Neal Morse und Nick D`Virgilio 2022 auch seine Allzweckwaffen-Qualitäten unter Beweis stellte.
Das neue Album fasst viele der o.g. Qualitäten der Band zusammen, ist mal straighter Rock (im Opener), mal klassisch progressiv-heavy („Nightingale“), bisweilen auch mal komplexer („Beneath the White Rainbow“), aber auch moderner und elektronischer („The Alphabet of Me“) oder einfach nur groß („Lovebite“, „Eyes Of Ebony“). Mal sollte schon eine gewisse Prog-Affinität mitbringen, aber Haken geben sich Mühe, ihren - natürlich mit melodischen Zwischenspielen, aber auch - oft komplexen ProgMetal mit gemäßigten Zwischenspielen alltagskompatibler zu machen. Was es leichter macht, dieses Album zu erkunden. Es lohnt sich!

Für KW 8: Hong Faux - Desolation Years (Goldn Robot Records/Soulfood)

Die Schweden stehen schon eine ganze Weile für extrem abwechslungsreichen und unterhaltsamen Rock, der sich den verschiedenen Spiel- und Stilarten bedient. Mitunter krachend wie im Stoner Rock, eingängig treibend wie im besten Grunge Rock oder auch mal softer zwischen Biffy Clyro, College Rock und Pop-Hooklines haben sie sich auf für ihr neues Album einige Überraschungen ausgedacht. Dabei haben sie sich ihre Kanten bewahrt: Während die Kollegen von Pearl Jam oder den Foo Fighters (die sie mit der Single „Starkiller“ locker übertrumpfen) fast übertrieben sanft zu Werke gehen, lassen Sänger Niklas Serén und seine Kollegen immer wieder gerne auch die Rocker raushängen. Dabei platzieren sie im Hintergrund gekonnt feine Spielereien, die auch beim genaueren Hinhören immer wieder für Freude sorgen. Ein weiteres, richtig gutes Rock-Album!

Für KW 7: Klone - Meanwhile (KScope)

Sie setzen ihren Weg fort vom Metal zum atmosphärischen Stadion-Rock-Act. Musikalisch gesehen natürlich, erfolgstechnisch reicht es dafür nicht ganz. Dabei sind die Franzosen mit ihrer Mischung aus ProgMetal und Alterative Rock seit knapp 30 Jahren unterwegs, anfangs noch mehr im Gothic und Metal Genre, seit ihrem 2008er Album "All Seeing Eye" auf dem entsprechenden Label Season of Mist, in der Folgezeit aber immer offener, was nicht zuletzt der Wechsel 2019 zu KScope dokumentiert. Und bei aller Affinität zum Sound von Kollegen wie Riverside, Porcupine Tree oder Devin Townsend hatten sie nicht zuletzt durch Sänger Yann Ligner und Saxofinist Matthieu Metzger immer einer klangliche Ausnahmestellung. Letzterer wird im Info zum neuen Album zwar nicht mehr aufgeführt, ich meine aber, ihn z.B. im Tietelstück herauszuhören… und auch Wikipedia nennt ihn noch aktuelles Mitglied. Wie auch immer, das Besondere in ihrem Sound ist ohnehin geblieben: Sehr atmosphärischer Breitwandrock voller großer Hymnen, der sich nur selten in instrumentalen Ausschweifungen verliert und entsprechend immer fokussiert bleibt, hin und wieder fällt der Gesang auch kurz ins Extreme, wodurch sie auch für Metal-Fans noch interessant bleiben dürften. Musikalisch wie klanglich absolut überzeugend!

Für KW 6: The Tangent - Pyramids, Stars & More The Tangent's Live Recordings 2004-2017 ( InsideOut / Sony )

2003 vom kauzigen Briten Andy Tillison gegründet, der jahrelang mit seinen Parallel Or 90 Degrees das undankbare Schicksaldes unverdient unbekannten Prog-Acts teilte, waren es v.a. die prominenten Mitspieler wie u.a. Roine Stolt (Flower Kings) und David Jackson (Van der Graaf Generator), die ihm sofortige Aufmerksamkeit bescherten. Musikalische Qualität hatte er denen, die es bemerkt hatten, mit PO90 längst bewiesen, jetzt erlaubte es ihm die neue Aufmerksamkeit endlich, auf neuem Niveau zu spielen. Und damit auch live europaweit zu touren, wie diese 140minütige 14-Track Compilation beweist. Da ist v.a. bei den frühen Aufnahmen die Soundqualität nicht immer state-of-the-art, aber musikalisch kann das locker mit dem seinerzeit parallel agierenden anderen Allstar-Projekt Transatlantic mithalten. Hauptunterschied zu denen ist, dass Tillison wiederholt gerne ein wenig Jazz mit einbringt. Zwar blieb die Prominenz nicht lange mit an Bord, wohl aber die verdiente Aufmerksamkeit. Die musikalische Qualität blieb nicht durchgehend auf dem Weltklasse-Niveau des Debüts „The Music That Died Alone“,  aber immer hoch, zudem bewies Mastermind Tillison Wandlungsfähigkeit. Die hier versammelten 14 Songs können das bezeugen  - und sind mit 20, 15 und 4x12 Minuten, dazu 11, 9, 8, 7, 6, 5 & 4 Minuten-Tracks ein wahres Longtrack-Festival! Prädikat: Empfehlenswert!

 

Für KW 5: Pristine - The Lines We Cross (Pristine Music Production / Cargo)

Die erste Single war ja schon ein echter Knaller: Sieben 7 Minuten lang eine großartige Steigerung vom ruhigen Intro zum epischen Stadionrocker zeigte „Carnival“ schon das Potenzial, das die Band über ihren Retro-Rock hinaus zu bieten hat. Auf dem Album ist noch ein weiterer Longtrack, der schon fast progressive Züge trägt mit seinem Tempowechseln. Ansonsten changiert die Band zwischen langsamen und schnelleren Rock- und Blues/Rock-Songs, nenn es Classic Rock, Vintage Rock oder Retro-Rock. Das ist, wo die Band herkommt und sich bislang präsentiert hat, aber sie beweist wiederholt, dass da noch mehr ist. Nach dem Motto alles kann, nichts muss, bringen Sie am Ende noch den sehr modernen, Beat-orientierten Rocksong „Instant Conclusion Decade“ unter, der zeigt dass die Band sich durchaus noch weiter entwickeln könnte, und man durchaus noch spannende Dinge von ihr erwarten kann. Für dieses Album haben Sie den richtigen Mittelweg gefunden zwischen dem Sound, den man von ihnen kennt und den Möglichkeiten die sie sich offen halten. Tolles Album!

 

Für KW 4: Riverside - ID.Entity (InsideOut/Sony)

Sie waren mal mit ihren Progressivrock an der Grenze zum Metalcore gestartet – inklusive entsprechender gesanglicher Extreme, zugegeben nur am Rande. Die Extreme wurden bereits auf ihre Anfangs-Album-Trilogie immer mehr zurück gefahren, die Metalelemente folgten. Über die Jahre wurden sogar die Rockelemente soweit reduziert, dass sie schon zur Ausnahme und gelungenen Erweiterung ihres abwechslungsreichen Sounds angesehen werden konnten. 
Das neue Album folgt einer langjährigen Pause und setzt den beschriebenen Weg weitgehend fort. Mit "Friend or Foe" beginnt es fast ungewöhnlich poppig, andere Songs beziehungsweise Songteile sind so typisch Riverside, dass man meint, sie zu kennen. Zwischendurch wird es - nicht nur gemessen an ihrer musikalischen Vergangenheit - fast zärtlich leise, eine Seite die man bereits von früheren Songs kennt. 
Das alles ist gar nicht mal schlecht, die Entwicklung war ja auch langsam genug, um davon nicht überrascht zu werden. Und zwischendurch gibt es auch durchaus auch kräftigere Rockelemente. Störend sind eigentlich nur bisweilen die Texte, bei denen Dariusz fern ab von Reim und Schema munter vor sich hin erzählt und dabei ein wenig überraschend plump und simpel agiert. Im vorletzten "Im Done with You" erinnern sie dann - genauso überraschend – plötzlich kraftvoll an ihrer Vergangenheit. In Ansatz, Härte und Komplexität erinnern sie in 6 Minuten noch einmal daran, wo ihre Wurzeln liegen. Und auch das abschließende "Self-Aware" greift diese Seite erneut auf, kombiniert sie im weiteren Verlauf sogar ein wenig mit den erwähnten anfänglichen Pop-Elementen und bringt es auf knapp 9 Minuten. Damit bündeln sie am erfolgreichsten ihre Stärken und schaffen nebenbei den vielleicht repräsentativen Song für ihren aktuellen Entwicklungsstand. Ein sehr versöhnliches Ende für ein Album von mitunter etwas durchwachsener Qualität.

Für KW 3: Atsuko Chiba - Water, It Feels Like It's Growing   (Mothland)

Hier kommt ein neuer Name für die meisten, denke ich, und definitiv ein erstes Highlight 2023! Atsuko Chiba kommen aus Montreal und begeistern mit einem Sound zwischen hypnotisch, abwechslungsreich und mitreißend, zwischen Groove, Psychedelic. Postrock, Progressive Rock und Krautrock, zwischen Archive und Pink Floyd – und damit am ehesten mit den frühen Archive vergleichbar! Ihr Platteninfo bringt noch Namen wie The Mars Volta, Beak und Spirit of the Beehive mit ins Spiel, aus der Ferne grüßen …And You Will Know Us By The Trail Of Dead. Alles Varianten ihres Sounds, der einen vom langen Intro an gefangen nimmt und nicht so schnell wieder loslässt – vorausgesetzt du hast die Repeat-Taste gedrückt, denn ihre 6 Songs bringen es leider nur auf eine Spielzeit von 36 Minuten. Dafür gibt es mit „So Much For” ein Highlight zwischen Stoner-/Post und Progressive Rock ein etwas komplexeres Meisterwerk sowie mit „Seeds“ eine etwas lang geratene erste Single (7:45). Die glänzt dafür mit den besten Zutaten des frühen Archive-Sounds und dürfte für Fans, denen die Briten etwas zu elektronisch geworden sind, eine willkommene Alternative sein! Und wenn man die Bandcamp-Seite der Kanadier checkt, kommt man auf weitere Archive-Parallelen, denn ihre 2021er „Quick Infant Guilt“-EP kombiniert fette Hip Hop Vocals mit Psychedelic Rock, und auch ihre 2016er EP „The Memory Empire“ machte Schritte in diese Richtung. Ihr merkt schon, diese Band hat mich so in den Bann gezogen, dass ich mich erstmal durch ihre Diskografie gezappt habe: 2 Alben, 3, 4, EPs und ein paar einzelne Singles lassen die schon ganz ansehnlich gefüllt aussehen, aber ich empfehle trotzdem zunächst das aktuelle Album:  Ein extrem spannendes Werk, das dieser Band eine Menge neuer Fans bescheren sollte!

Für KW 2: Teramaze - Flight of the Wounded (Eigenvertrieb)

Ich habe vor einem Jahr bereits ihr letztes Album „And The Beauty They Perceive“ gefeiert, da stehen sie nicht einmal ein Jahr später schon wieder mit einem neuen Album bereit. Und einmal mehr liefern sie eine starke Mischung aus Dream Theater-ähnlich abwechslungsreichem Progmetal und sehr eingängigen Rocksongs ab, die v.a. durch den tollen Gesang von Frontmann Dean Wells, der es schafft, die härtesten Breaks weichzuzeichnen, kontrastiert wird. Großartig! 
Das Album beginnt spannend mit dem Titelsong, das sich letztlich aber als Highlight des Albums herausstellt. Wogegen nichts spräche, wenn die Australier es geschafft hätten, ihre Dynamikwechsel und Melodikpassagen noch etwas abwechslungsreicher, ausgeprägter und spannender zu gestalten. So verfliegt der anfängliche Begeisterung irgendwann ein wenig – und schwächelt das Album im Mittelteil ein wenig. Zum Ende ziehen die sechs aber wieder an, beginnend mit dem herrlich melodischen Solo in „Dangerous Me“, und liefern auch im Folgenden noch ein paar tollen Gitarrenmelodien ab. 

Für KW 1: Jamie Lenman - The Atheist (Big Scary Monsters)

Beginnen wir das Jahr mit einem weiteren Überbleibsel des letzten Jahres - aber einem, das  hier erwähnt werden muss! Veröffentlicht am 25.11.22 präsentiert der Brite, anfangs des Jahrtausends noch als Frontmann des Alternative Rock Trios Reuben unterwegs, eine sehr spannungsreiche Mischung aus Singer/Songwriting und seiner Rock-Vergangenheit. Der Indie-Rock am Anfang ist dabei noch etwas irreführend. Das Album ist so gespickt mit großen Songs zwischen Pop, Singer/Songwriting und Rock, dass es das Prädikat Indie nicht verdient! Sogar die Charity-Single "Hospital Tree", deren Erlöse an National Health System-Wohltätigkeitsorganisationen gehen, endet nach sanftem Beginn in einem Rockfinale. Und von diesen Steigerung gibt es einige. Und es mag Geschmackssache sein, aber wenn er auf diese Art abgeht, wirds richtig spannend. Stimmlich erinnert er bisweilen an Joe Jackson, musikalisch streift er von da durch diverse Felder der 80er und 90er - ohne signifikanante Plagiatisierung. Ein tolles Album!...