2023:

Für KW 22: Foo Fighters - But Here We Are (Roswell/RCA)

Und wieder zurück an den Drums: Nachdem mit Taylor Hawkins ein weiterer seiner musikalischen Weggefährten von uns gegangen ist, hat Dave Grohl nicht nur das Songwriting und den Gesang, sondern wie in alten Nirvana-Zeiten auch die Drums wieder unter seine Fittiche genommen. Was wohl vorerst nur für das Album gilt, aber darum geht es ja hier. Und zwei Jahre nach „Medicine at Midnight“ präsentiert das eine der größten Rockbands unserer Zeit wieder zurück auf der Spur! Der Vorgänger war ja erschreckend kommerziell, gezähmt, zahnlos, nenn es wie du willst, ich sage mal schwach ausgefallen. Aber vielleicht ist Grohl bewusst geworden, dass er das a. gar nicht nötig hat und b. ihn auch nicht in neue Sphären aufsteigen lässt – falls er das überhaupt wollte. Mit „Rescued“ und „Under You“ startet das Album erfrischend knackig und nach kurzer Verschnaufpause ist auch das Titelstück wieder ein Rocker erster Güte. Klar, es gibt auch ruhigere Töne, aber die sind in überschaubar kleiner Zahl und deswegen nur willkommene Abwechslungen. Eine ausgewogene Sammlung guter Songs und gelungener Hooklines und mit „The Teacher“ ein (zehnminütiges!) Opus über eine weitere Person, die er verloren hat: Seine Mutter. Ein großes Album und ein richtig gutes dazu!

Für KW 21: The Intersphere - Wanderer (Odyssey Music)

Seit ihrem Knaller-Debütalbum „Interspheres><Atmospheres“ (2010, den Vorläufer unter anderem Namen kannte zu der Zeit ja noch keiner) besetzen die Mannheimer einen Stammplatz in der Liste der Bands, die mit der Ankündigung eines neuen Albums bei mir für einen erhöhten Puls sorgen. Zwar konnten die weiteren Alben der vier Popakademie-Absolventen keine vergleichbaren Sensationen entfachen, aber das wäre auch wohl zu viel verlangt. Stattdessen können sie immer wieder aufs Neue mit ihrer grandiosen Mischung aus Rock, Pop, Prog und Alternative überzeugen, haben längst ihren eigenen Trademark-Sound entwickelt, den sie immer wieder aufs Neue austarieren und in neue Ecken vorstoßen. So hat auch das neue Album mit dem Titelstück einen perfekten Opener, in „Down“ oder „Heads Will Roll“ fette Metal-Sounds eingebaut und in „Who Likes To Deal With Death?“ Funk-Elemente mit wunderbaren Melodic-Breaks. Muse winken aus der Ferne in „A la Carte“, „Corrupter“ lässt es etwas straighter angehen, die beiden abschließdenen „Treasure Chest“ und „Under Water“ eher ruhiger. Aber kein Song läuft einfach nur durch, immer wieder gibt es überraschende Wendungen und Breaks, die begeistern, ohne dass man Prog-Fan sein müsste, um ihnen zu erliegen. Schade nur, dass der ganze Spaß nach knapp 38 Minuten schon wieder dabei ist!

Für KW 20: Def Leppard - Drastic Symphonies (Universal Music)

Den Stempel Hardrockband tragen die Briten seit Langem nur aus guter Tradition – und weil es ihrer inneren Überzeugung wahrscheinlich immer noch am nächsten kommt. Gestartet als NWOBHMetal-Band standen sie sich streng genommen bereits mit ihrem Erfolgsalbum „Hysteria“ (1987) dem Pop/Rock-Genre näher als dem klassischen Hardrock. Spätestens ihr 2006er Coveralbum „Yeah“ zeigte auch, wo es, bzw. wo sie als Band herkam.
„Drastic Symphonies“ zeigt das genauso. Auf komplett andere, deutlich aufwändigere Art und vor allem mit ihren eigenen Songs. Mit dem Londoner Royal Philharmonic Orchestra aufgenommen wurden aus den alten Hits und Klassikern jetzt symphonisch arrangierte Pop-Songs. Nicht einfach mit klassischem Hintergrund erweitert, sondern in der Tat an vielen Stellen neu arrangiert. Was eine Leistung ist, allerdings wahrscheinlich nicht die der Band selbst. Produziert von Ronan McHugh und Nick Patrick, dürfte es am ehesten auf Arrangeur Eric Gorfain (Neil Diamond, Ryan Adams, Christina Aguilera) zurückgehen. So zahnlos das Ergebnis ist, es hebt die Schönheit der Kompositionen noch einmal auf neue Art hervor – und so manchmal reichen ja auch die großen Melodien zum glücklich sein. Joe Elliots neuer Gesang dazu, hier und da noch ein gutes Gitarrensolo verbaut, dann macht´s am meisten Spaß, Ungeachtet ihrer eingangs in Frage gestellten Genre-Zugehörigkeit erscheint dieses Album gerade rechtzeitig zum Auftakt der Co-Headliner-Tour mit Mötley Crüe. Ob dieses Album, bzw dessen mitunter etwas arg lieblichen Versionen der Songs dabei eine Rolle spielen werden?

Für KW 19: Sleep Token - Take Me Back To Eden (SPINEFARM)

Ich liebe Alben, die dich durch den ganzen Tag tragen. Weil sie so abwechslungsreich sind, dass man auch nach dem fünften oder sechsten, siebten, achten Mal hören noch überrascht ist und neue Dinge entdeckt. Und während ich beim Hören ja immer auf der Suche bin nach dem Stück, was ich stellvertretend für das Album oder aber als Album-Highlight in meiner „Blizzard Friday Night Rock Show“ spielen kann, kann ich mich Sleep Token immer noch nicht etscheiden. Dabei habe ich es heute den ganzen Tag über im Garten gehört, lediglich unterbrochen von 2 Stunden Bundesliga Show auf NDR 2. Werder bleibt in der Bundesliga, Hertha steigt ab und dass die Bayern ihre Meisterschaft verspielen, war ja nicht abzusehen, deswegen hatte ich mich ab 17:30 Uhr schon wieder dem Album gewidmet. Was für ein Meisterwerk! Sleep Token agieren ähnlich den norwegischen Kollegen Leprous, nur mit deutlich weniger gewöhnungsbedürftigem Sänger. Aber was diese Jungs aus London an Abwechslungsreich tun auf ihrem Album präsentieren, ist genial. Von deftigen Metalsounds bis zu melancholischen, leisen Tönen ist alles dabei. Progressive Einschübe, Crossover-Rap-Einlagen, Jazzklänge und liebliche Töne bis hin zu effektvollen DeathMetal Screamo. Sensationell! „Take Me Back To Eden“ ist dabei der dritte Teil ihrer Trilgie, die 2019 begann und hiermit ihren klaren Höhepunkt erlebt. Anathema ließen sich als weitere Referenz anführen, aber nur um eine Orientierung zu geben. Vergleichbar ist hier eigentlich nur Leprous. Deswegen kann ich hier nur eine absolute Empfehlung aussprechen. Viel Spaß damit!

Für KW 18: Neal Schon - Journey Through Time    (Frontiers Music)

Ein Konzert von Neal Schon ist zwangsläufig eine Reise durch die Zeit: Seit den frühen 70ern auf internationaler Bühne dabei, startete er mit Santana, lernte da Keyboarder Greg Rolie kennen und gründete mit ihm Journey. Der ist zwar seit 1980 nicht mehr bei Journey dabei, bleibt aber für Schon ein Verbündeter. Und als Schon im Februar 2018 zwei Benefizkonzerte für die Opfer der Feuer in der San Francisco Bay Area spielte, war er an seiner Seite. Mit dem Ergebnis, dass der diese Konzerte einiges an gemeinsamen Songs und Alben in Erinnerung ruft. Neben Solosongs gibt es also auf insgesamt drei CDs und 161 Minuten lang auch Songs aus den ersten drei Journey-Alben, bei denen Rolie auch wieder den Gesang übernimmt. Da Deen Castronovo ohnehin am Schlagzeug dabei war, übernimmt der für die unvermeidlichen Journey-Klassiker – und einige weitere Raritäten aus ihrer Diskographie – die Rolle als Frontmann. Und an den fünf Jahre alten, unbearbeiteten Aufnahmen wird deutlich, warum er für die Ansprüche der Kultband zwar im Studio locker mithalten kann, aber live nicht ganz an die Frontmannqualitäten seiner Kollegen anknüpfen kann. Zum Abschluss noch zwei Santana-Klassiker und immer wieder grandiose, ausufernde Gitarrensoli des Namensgebers. Ein karriereumspannender Rückblick, der es nicht verdient hätte, in den Archiven zu verstauben. Leider entspricht die Klangqualität nicht mehr ganz aktuellen Standards, aber das fällt nach kurzer Zeit nicht mehr ins Gewicht.

Für KW 17: Lakes - Elysian Skies (Big Scary Monsters)

Wer A sagt, muss auch B sagen. Und wer Lies („Lies“, siehe KW 11) bespricht, muss auch das neue Album von Lakes erwähnen! Zumal die Briten die Kollegen von American Football sogar als Einfluss erwähnen. Neben Fleetwood Mac, Phil Collins und Peter Gabriel. Womit ihr Sound schon ausreichend beschrieben ist, den Rest müsst ihr selbst nachhören. Mit „Deep End“ packen sie den vielleicht besten Song des Albums gleich an den Anfang – obwohl „Aces“ auch mega ist – und ehrlich gesagt ist es schwer, hier überhaupt einen Song über einen anderen zu stellen. Ein wunderbares Art-Pop Album voller wunderbarer Melodien, Abwechslungsreichtum, gekonnten Hooklines und variablem Gesang. Sehr schön! In der Art des Duett-Gesangs erinnern sie mich übrigens an die Band 1997!

Für KW 16: Revolution Saints - Eagle Flight  (Frontiers Music)

Ich kann es nicht ändern, auch wenn ich dem AOR Melodic Rock schon lange kaum mehr etwas abgewinnen kann, bleiben manche Bands so fest mit meiner musikalischen DNA verwachsen, dass sie mich auch weiterhin begeistern können.  Journey ist eine dieser Bands. Ihr Breitwand-Rock, ihre fett produzierte Mischung aus energetischen Rockern und bombastischen Balladen, kombiniert mit herrlich rauem Gesang und begnadeten Gitarrensoli schafft es in den allermeisten Fällen, nicht zuletzt dank grandioser Hooklines die Kitschgrenze zu umschiffen. Das war einmal mehr beim 2022er „Freedom“, dem ersten Journey-Album seit 2011, der Fall.
Seit 2015 ist ein Name dazugekommen, der über Drummer und (bei Journey gelegentlichem Zweit-)Sänger fest mit Journey in Verbindung steht, albumproduktionstechnisch ihnen aber weit überlegen ist. Dem selbstbetitelten Debüt kommt jetzt das mittlerweile 4. Album dazu, und einmal mehr steht hier die Qualität von Songwriting, Performance und Abwechslung auf  demselben, hohen Niveau. Was zum einen an der auch bei Journey immer wieder mal gezeigten gesanglichen Qualität (und Ähnlichkeit) zur Originalstimme liegt, zum anderen an den Mitmusikern, bestehend bei diesem Album erstmals aus dem atemberaubende Gitarristen Joel Hoekstra (Whitesnake, Transsiberian Orchestra) und Bassist Jeff Pilson (u.a. Foreigner). Ein rundum gelungenes Album!

Für KW 15: Niels Frevert - Pseudopoesie (Grönland Records)

Ist es Fishing for Compliments? Oder nur ein Beispiel für seinen Hamburger Humor? Es mutet schon etwas überraschend an, dass ausgerechnet einer der begnadetsten Poeten der deutschen Singer/Songwriter-Szene sein neues Album „Pseudopoesie“ nennt. Nun, immerhin ist es einer der Songtitel. Neben der Poesie und den Texten voller Intelligenz und Wortwitz ist es zudem die Musik, die so schön ist wie eine warme Dusche und eine Stimme zwischen Melancholie und Sehnsucht. Auch auf seinem siebten Album sich der Hamburger, der sich Anfang der 90er zunächst als Frontmann von Nationalgalerie einen Namen machte, einmal mehr von seiner besten Seite. Ohne sich in Soundexperimenten zu verlieren, sind seine Songs meistens auf das Nötigste reduziert und trotzdem voller Abwechslung. Klasse!

Für KW 14: Fall Out Boy - So Much (For) Stardust (Fueled By Ramen/Elektra/Warner)

Ein extrem abwechslungsreiches Album, zwischen Pop Punk und großer Stadion Rock Hymne. Das beinhaltet einige sehr ernste Songs und Töne, u.a. durch die Corona beeinflussten Texte, aber auch der Partyfaktor kommt nicht zu kurz. Und diese Mischung macht dieses Album extrem sympathisch. Letztlich ist es gerade diese Mischung aus unterschiedlichen Stimmungen und Genres, wegen der es Spaß macht, das Album wiederholt zu hören. Dazu kommen Überraschungen wieder Earth Wind & Fire-infizierte „What a Time to be Alive“, genauso wie die klassischen Töne zu Beginn des Albums und im abschließenden Titelsong. Absolut gelungen!

Für KW 13: City and Colour - The Love Still Held Me Near (Still Records/Dine Alone Records)

City and Colour ist das Pseudonym des Sänger, Songwriter und Performer Dallas Green, "The Love Still Held Me Near" ist bereits sein 7. Stuaioalbum. Und während er mit der Tiefe und Intimität seiner Songs bereits Fans auf der ganzen Welt gewinnen konnte, treibt er diese Qualitäten auf dem neuen Album auf einen neuen Höhepunkt. Grund dafür dürfte sein, dass die Songs von der schwierigsten Zeit in Greens Leben handeln, in der er u.a. seinen besten Freund und langjährigen Toningenieur Karl Bareham 2019 verloren hat. Spannend wird das Album aber v.a. durch die abwechslungsreiche Umsetzung: Wie schon in der ersten Single „Fucked it up“ bringt Dallas Green immer eine Dosis Rock mit rein – was seine Songs von der Qualität der Counting Crows, GooGooDolls oder Death Cab For Cutie wesentlich Rock-Affiner werden lässt. Leider trifft das erstmal nur auf die ersten drei Stücke zu. Danach wird’s etwas melancholischer und ruhiger, was die Songs nicht weniger schön macht, aber halt weniger Rock. Zum Ende hin legt er allerdings mit "Hard, Hard Time" und vor allem "The Water Is Coming" noch einmal richtig los und lässt es krachen. Ein tolles Album: Intensiv, schön, melancholisch, abwechslungsreich. Groß!

Für KW 12: Overhead - Telepathic Minds (https://overheadband.bandcamp.com)

Die Finnen haben sich in der Vergangenheit schon einen Namen machen können mit einem Sound zwischen melodischem Rock und progressiver Ausrichtung. Und auch das Hören des neuen Album bringt Vergleiche mit großen Namen ins Spiel: „Telepathic Minds“ passt bestens zwischen Pink Floyd, Transatlantic und in erster Linie Sylvan! Was dreimal für große Qualität steht - und in der Tat liefern die Finnen diese auch immer wieder. Wobei nicht alle Songs auf ganzer Länge überzeugen können, aber es tauchen immer wieder tolle Ideen und Momente auf, Abwechslung und starke Soli inklusive. Und bei 90 Minuten Gesamtspielzeit darf man sich auch die eine oder andere Länge erlauben. 
Musikalisch halten sich die progressiven Elemente in Grenzen - die „Taktwechselfrequenz" würde ich ungefähr mit Saga vergleichen wollen - sie kommen vor, stören aber den Fluss des Songs nicht wirklich. Sehr gutes Album!

Für KW 11: Lies – Lies (Big Scary Monsters / The Orchard)

Mike und Nate Kinsella sind eigentlich Mitglieder der US-Indierock/Emo-Band American Football – neben diversen weiteren Projekten, die sie betreiben. Beim Schreiben neuer Songs entdeckten sie die gemeinsame Vorliebe für einen Sound, für den sie diesen neuen Bandnamen ins Leben riefen. Lies spielen Pop. Art-Pop, um genauer zu sein. Diese wunderbare Mischung, die man sonst von Künstlern wie Peter Gabriel oder Paddy McAloon (Prefab Sprout) kennt, Das Tears For Fears-Duo Orzabal und Smith oder auch Midge Ure in ihren besten Momenten, alles Namen, in die sich die beiden Cousins locker mit reinreihen dürfen. Raffinierte Keyboardmelodien, markante Hooklines, entspannte Streicher, dezent angeschlagene Gitarren und groovige Rhythmen wechseln sich ab. Wunderbar!

Für KW 10: The Black Cat`s Eye - The Empty Space Between A Seamount And Shock-Headed Julia (Tonzonen / Soulfood)

In der Regel tue ich mich schwer damit, in meiner Sendung Instrumental-Tracks zu spielen. Dieses Mal konnte ich nicht anders: Ihr Opener "Kill The Sun And The Moon And The Stars" ist so eine fantastische Mischung aus Pink Floyd Atmosphäre und Postrock, dass ich nicht umhin kam, ihn zumindest leicht gekürzt zu spielen (Blizzard). Zudem ist es nur ein Beispiel für ihre Qualitäten: Auch das knapp 6-minütige "In My Dreams The Wind Chases Away The Clouds" besteht aus den gleichen Zutaten und ist so gut, dass man locker in einer weiteren Sendung nachlegen könnte. Dabei ist es gar nicht nötig. Denn das Frankfurter Quintett agiert so abwechslungsreich, dass man problemlos auch andere Songs findet: Im vierminütigen „Winter Song“ und vor allem im tollen Abschluss „Lostlostlostlostlostlostlostlost“ kommt auch Christian Blasers Gesang zum Einsatz. Weitere Beispiele für die abwechslungsreiche Songwriterkunst zwischen klassischem Psychedelic Rocks und immer wieder auch härteren Rock-Elementen – das kann schon mal dabei rauskommen, wenn drei Gitarristen an Bord sind. Ein tolles Debütalbum!

Für KW 9: Haken - Fauna (InsideOut/Sony Music)

Sie stehen für modernen – und oft unberechenbar abwechslungsreichen Progressive Metal: Bereits mit ihrem Debüt „Aquarius“ 2010 stellten die Briten klar, dass sie das Genre neu denken. Und egal, ob sie in der Folgezeit eher Wave-orientierter oder metallischer unterwegs waren, sie blieben ihrem Trademark-Sound irgendwie immer treu. Was sicherlich auch an Sänger Ross Jennings lag, dessen sanftes Timbre immer einen gelungenen Kontrast zum Metal-Ansatz seiner Kollegen darstellte – und der im Zusammenspiel mit Neal Morse und Nick D`Virgilio 2022 auch seine Allzweckwaffen-Qualitäten unter Beweis stellte.
Das neue Album fasst viele der o.g. Qualitäten der Band zusammen, ist mal straighter Rock (im Opener), mal klassisch progressiv-heavy („Nightingale“), bisweilen auch mal komplexer („Beneath the White Rainbow“), aber auch moderner und elektronischer („The Alphabet of Me“) oder einfach nur groß („Lovebite“, „Eyes Of Ebony“). Mal sollte schon eine gewisse Prog-Affinität mitbringen, aber Haken geben sich Mühe, ihren - natürlich mit melodischen Zwischenspielen, aber auch - oft komplexen ProgMetal mit gemäßigten Zwischenspielen alltagskompatibler zu machen. Was es leichter macht, dieses Album zu erkunden. Es lohnt sich!

Für KW 8: Hong Faux - Desolation Years (Goldn Robot Records/Soulfood)

Die Schweden stehen schon eine ganze Weile für extrem abwechslungsreichen und unterhaltsamen Rock, der sich den verschiedenen Spiel- und Stilarten bedient. Mitunter krachend wie im Stoner Rock, eingängig treibend wie im besten Grunge Rock oder auch mal softer zwischen Biffy Clyro, College Rock und Pop-Hooklines haben sie sich auf für ihr neues Album einige Überraschungen ausgedacht. Dabei haben sie sich ihre Kanten bewahrt: Während die Kollegen von Pearl Jam oder den Foo Fighters (die sie mit der Single „Starkiller“ locker übertrumpfen) fast übertrieben sanft zu Werke gehen, lassen Sänger Niklas Serén und seine Kollegen immer wieder gerne auch die Rocker raushängen. Dabei platzieren sie im Hintergrund gekonnt feine Spielereien, die auch beim genaueren Hinhören immer wieder für Freude sorgen. Ein weiteres, richtig gutes Rock-Album!

Für KW 7: Klone - Meanwhile (KScope)

Sie setzen ihren Weg fort vom Metal zum atmosphärischen Stadion-Rock-Act. Musikalisch gesehen natürlich, erfolgstechnisch reicht es dafür nicht ganz. Dabei sind die Franzosen mit ihrer Mischung aus ProgMetal und Alterative Rock seit knapp 30 Jahren unterwegs, anfangs noch mehr im Gothic und Metal Genre, seit ihrem 2008er Album "All Seeing Eye" auf dem entsprechenden Label Season of Mist, in der Folgezeit aber immer offener, was nicht zuletzt der Wechsel 2019 zu KScope dokumentiert. Und bei aller Affinität zum Sound von Kollegen wie Riverside, Porcupine Tree oder Devin Townsend hatten sie nicht zuletzt durch Sänger Yann Ligner und Saxofinist Matthieu Metzger immer einer klangliche Ausnahmestellung. Letzterer wird im Info zum neuen Album zwar nicht mehr aufgeführt, ich meine aber, ihn z.B. im Tietelstück herauszuhören… und auch Wikipedia nennt ihn noch aktuelles Mitglied. Wie auch immer, das Besondere in ihrem Sound ist ohnehin geblieben: Sehr atmosphärischer Breitwandrock voller großer Hymnen, der sich nur selten in instrumentalen Ausschweifungen verliert und entsprechend immer fokussiert bleibt, hin und wieder fällt der Gesang auch kurz ins Extreme, wodurch sie auch für Metal-Fans noch interessant bleiben dürften. Musikalisch wie klanglich absolut überzeugend!

Für KW 6: The Tangent - Pyramids, Stars & More The Tangent's Live Recordings 2004-2017 ( InsideOut / Sony )

2003 vom kauzigen Briten Andy Tillison gegründet, der jahrelang mit seinen Parallel Or 90 Degrees das undankbare Schicksaldes unverdient unbekannten Prog-Acts teilte, waren es v.a. die prominenten Mitspieler wie u.a. Roine Stolt (Flower Kings) und David Jackson (Van der Graaf Generator), die ihm sofortige Aufmerksamkeit bescherten. Musikalische Qualität hatte er denen, die es bemerkt hatten, mit PO90 längst bewiesen, jetzt erlaubte es ihm die neue Aufmerksamkeit endlich, auf neuem Niveau zu spielen. Und damit auch live europaweit zu touren, wie diese 140minütige 14-Track Compilation beweist. Da ist v.a. bei den frühen Aufnahmen die Soundqualität nicht immer state-of-the-art, aber musikalisch kann das locker mit dem seinerzeit parallel agierenden anderen Allstar-Projekt Transatlantic mithalten. Hauptunterschied zu denen ist, dass Tillison wiederholt gerne ein wenig Jazz mit einbringt. Zwar blieb die Prominenz nicht lange mit an Bord, wohl aber die verdiente Aufmerksamkeit. Die musikalische Qualität blieb nicht durchgehend auf dem Weltklasse-Niveau des Debüts „The Music That Died Alone“,  aber immer hoch, zudem bewies Mastermind Tillison Wandlungsfähigkeit. Die hier versammelten 14 Songs können das bezeugen  - und sind mit 20, 15 und 4x12 Minuten, dazu 11, 9, 8, 7, 6, 5 & 4 Minuten-Tracks ein wahres Longtrack-Festival! Prädikat: Empfehlenswert!

 

Für KW 5: Pristine - The Lines We Cross (Pristine Music Production / Cargo)

Die erste Single war ja schon ein echter Knaller: Sieben 7 Minuten lang eine großartige Steigerung vom ruhigen Intro zum epischen Stadionrocker zeigte „Carnival“ schon das Potenzial, das die Band über ihren Retro-Rock hinaus zu bieten hat. Auf dem Album ist noch ein weiterer Longtrack, der schon fast progressive Züge trägt mit seinem Tempowechseln. Ansonsten changiert die Band zwischen langsamen und schnelleren Rock- und Blues/Rock-Songs, nenn es Classic Rock, Vintage Rock oder Retro-Rock. Das ist, wo die Band herkommt und sich bislang präsentiert hat, aber sie beweist wiederholt, dass da noch mehr ist. Nach dem Motto alles kann, nichts muss, bringen Sie am Ende noch den sehr modernen, Beat-orientierten Rocksong „Instant Conclusion Decade“ unter, der zeigt dass die Band sich durchaus noch weiter entwickeln könnte, und man durchaus noch spannende Dinge von ihr erwarten kann. Für dieses Album haben Sie den richtigen Mittelweg gefunden zwischen dem Sound, den man von ihnen kennt und den Möglichkeiten die sie sich offen halten. Tolles Album!

 

Für KW 4: Riverside - ID.Entity (InsideOut/Sony)

Sie waren mal mit ihren Progressivrock an der Grenze zum Metalcore gestartet – inklusive entsprechender gesanglicher Extreme, zugegeben nur am Rande. Die Extreme wurden bereits auf ihre Anfangs-Album-Trilogie immer mehr zurück gefahren, die Metalelemente folgten. Über die Jahre wurden sogar die Rockelemente soweit reduziert, dass sie schon zur Ausnahme und gelungenen Erweiterung ihres abwechslungsreichen Sounds angesehen werden konnten. 
Das neue Album folgt einer langjährigen Pause und setzt den beschriebenen Weg weitgehend fort. Mit "Friend or Foe" beginnt es fast ungewöhnlich poppig, andere Songs beziehungsweise Songteile sind so typisch Riverside, dass man meint, sie zu kennen. Zwischendurch wird es - nicht nur gemessen an ihrer musikalischen Vergangenheit - fast zärtlich leise, eine Seite die man bereits von früheren Songs kennt. 
Das alles ist gar nicht mal schlecht, die Entwicklung war ja auch langsam genug, um davon nicht überrascht zu werden. Und zwischendurch gibt es auch durchaus auch kräftigere Rockelemente. Störend sind eigentlich nur bisweilen die Texte, bei denen Dariusz fern ab von Reim und Schema munter vor sich hin erzählt und dabei ein wenig überraschend plump und simpel agiert. Im vorletzten "06. Im Done with You" erinnern sie dann - genauso überraschend – plötzlich kraftvoll an ihrer Vergangenheit. In Ansatz, Härte und Komplexität erinnern sie in __ Minuten noch einmal daran, wo ihre Wurzeln liegen. Und auch das abschließende "Self-Aware" greift diese Seite erneut auf, kombiniert sie im weiteren Verlauf sogar ein wenig mit den erwähnten anfänglichen Pop-Elementen und bringt es auf knapp 9 Minuten. Damit bündeln sie am erfolgreichsten ihre Stärken und schaffen nebenbei den vielleicht repräsentativen Song für ihren aktuellen Entwicklungsstand. Ein sehr versöhnliches Ende für ein Album von mitunter etwas durchwachsener Qualität.

Für KW 3: Atsuko Chiba - Water, It Feels Like It's Growing   (Mothland)

Hier kommt ein neuer Name für die meisten, denke ich, und definitiv ein erstes Highlight 2023! Atsuko Chiba kommen aus Montreal und begeistern mit einem Sound zwischen hypnotisch, abwechslungsreich und mitreißend, zwischen Groove, Psychedelic. Postrock, Progressive Rock und Krautrock, zwischen Archive und Pink Floyd – und damit am ehesten mit den frühen Archive vergleichbar! Ihr Platteninfo bringt noch Namen wie The Mars Volta, Beak und Spirit of the Beehive mit ins Spiel, aus der Ferne grüßen …And You Will Know Us By The Trail Of Dead. Alles Varianten ihres Sounds, der einen vom langen Intro an gefangen nimmt und nicht so schnell wieder loslässt – vorausgesetzt du hast die Repeat-Taste gedrückt, denn ihre 6 Songs bringen es leider nur auf eine Spielzeit von 36 Minuten. Dafür gibt es mit „So Much For” ein Highlight zwischen Stoner-/Post und Progressive Rock ein etwas komplexeres Meisterwerk sowie mit „Seeds“ eine etwas lang geratene erste Single (7:45). Die glänzt dafür mit den besten Zutaten des frühen Archive-Sounds und dürfte für Fans, denen die Briten etwas zu elektronisch geworden sind, eine willkommene Alternative sein! Und wenn man die Bandcamp-Seite der Kanadier checkt, kommt man auf weitere Archive-Parallelen, denn ihre 2021er „Quick Infant Guilt“-EP kombiniert fette Hip Hop Vocals mit Psychedelic Rock, und auch ihre 2016er EP „The Memory Empire“ machte Schritte in diese Richtung. Ihr merkt schon, diese Band hat mich so in den Bann gezogen, dass ich mich erstmal durch ihre Diskografie gezappt habe: 2 Alben, 3, 4, EPs und ein paar einzelne Singles lassen die schon ganz ansehnlich gefüllt aussehen, aber ich empfehle trotzdem zunächst das aktuelle Album:  Ein extrem spannendes Werk, das dieser Band eine Menge neuer Fans bescheren sollte!

Für KW 2: Teramaze - Flight of the Wounded (Eigenvertrieb)

Ich habe vor einem Jahr bereits ihr letztes Album „And The Beauty They Perceive“ gefeiert, da stehen sie nicht einmal ein Jahr später schon wieder mit einem neuen Album bereit. Und einmal mehr liefern sie eine starke Mischung aus Dream Theater-ähnlich abwechslungsreichem Progmetal und sehr eingängigen Rocksongs ab, die v.a. durch den tollen Gesang von Frontmann Dean Wells, der es schafft, die härtesten Breaks weichzuzeichnen, kontrastiert wird. Großartig! 
Das Album beginnt spannend mit dem Titelsong, das sich letztlich aber als Highlight des Albums herausstellt. Wogegen nichts spräche, wenn die Australier es geschafft hätten, ihre Dynamikwechsel und Melodikpassagen noch etwas abwechslungsreicher, ausgeprägter und spannender zu gestalten. So verfliegt der anfängliche Begeisterung irgendwann ein wenig – und schwächelt das Album im Mittelteil ein wenig. Zum Ende ziehen die sechs aber wieder an, beginnend mit dem herrlich melodischen Solo in „Dangerous Me“, und liefern auch im Folgenden noch ein paar tollen Gitarrenmelodien ab. 

Für KW 1: Jamie Lenman - The Atheist (Big Scary Monsters)

Beginnen wir das Jahr mit einem weiteren Überbleibsel des letzten Jahres - aber einem, das  hier erwähnt werden muss! Veröffentlicht am 25.11.22 präsentiert der Brite, anfangs des Jahrtausends noch als Frontmann des Alternative Rock Trios Reuben unterwegs, eine sehr spannungsreiche Mischung aus Singer/Songwriting und seiner Rock-Vergangenheit. Der Indie-Rock am Anfang ist dabei noch etwas irreführend. Das Album ist so gespickt mit großen Songs zwischen Pop, Singer/Songwriting und Rock, dass es das Prädikat Indie nicht verdient! Sogar die Charity-Single "Hospital Tree", deren Erlöse an National Health System-Wohltätigkeitsorganisationen gehen, endet nach sanftem Beginn in einem Rockfinale. Und von diesen Steigerung gibt es einige. Und es mag Geschmackssache sein, aber wenn er auf diese Art abgeht, wirds richtig spannend. Stimmlich erinnert er bisweilen an Joe Jackson, musikalisch streift er von da durch diverse Felder der 80er und 90er - ohne signifikanante Plagiatisierung. Ein tolles Album!...

2022:

Für KW 52: The Blue Stones – Pretty Monster (Mnrk Music Group)

Das Jahr hat 52 Wochen, also bleibt noch Platz für eine Erwähnung, die es sonst wohl nicht mehr auf diese Seite geschafft hätte. Denn hier ging es mir mit der Entwicklung doch ein bisschen zu schnell: Für ihre ersten beiden Alben "Black Holes" (2018) und "Hidden Gems" (2021) noch abgefeiert für ihren begeisternden Rock zwischen Hookline & Riff, Blues und Kante, zwischen The Black Keys, White Stripes und Muse sind sie mit ihrem dritten Album deutlich gemäßigter geworden. Bereits die ersten beiden Singles "Don´t miss" und "Good Ideas" ließen es erahnen: Statt der o.g. Bands dürften dem kanadischen Duo nun eher Chartsstürmer wie Maroon5 oder The Script als Vorbilder gedient haben. Im Opener "Healing" und v.a. in "Stay with me" lassen sie die Gitarre aufheulen, auch "Let Me Out" ist ein guter Song, aber der Ansatz ist doch meist deutlich mehr Pop. Und da die Herren Tarek Jafar und Justin Tessier nun einmal selbst begnadete Songwriter sind mit einem Händchen für gute Hooklines, kann man ihnen das nicht einmal übel nehmen. Hoffen wir, dass es klappt! Denn sehen wir es so: Die Jungs haben ihre Ochsentourneen gespielt, wir haben unseren Spaß gehabt, ab nun wird (hoffentlich) Geld verdient.  Es ist ja nicht so, dass es an hoffnungsvollen Newcomer-Alternativen mangeln würde.  

Für KW 51: Lake Cisco - Bricks (Label: Lake Cisco / Vertrieb: The Orchard)

Und noch eine lange Pause findet ein erfolgreiches Ende: Elf Jahre sind seit ihrem Debütalbum "Permanent Transient" vergangen, einem Album zwischen Indie-Attitüde und Stadion-Hymnen. Musikalisch extrem überzeugend ließen mich seinerzeit die gesanglichen "Übergriffe" etwas zurückhaltend zurück. Diese Ausbrüche scheinen bei Sänger Florian Sczesny der Vergangenheit anzugehören - und doch wird man bei ihm das Bild nicht los von einem gezähmten Tiger, der wachsam am Gitter auf und ab läuft, und nur auf die Gelegenheit wartet, zuschlagen zu können. Was nicht heißen soll dass er nicht auch in der gezähmten Variante ein tolles Bild abgibt. Sein Gesang passt wunderbar zum Wechsel aus krachenden Indie-Gitarren und melodischen Songstrukturen, zwischen aufregenden Melodien und Taktschemata, die wiederholt an The Intersphere erinnern. Ein sehr spannendes, und doch ausgewogenes Album, dass die Tür weit aufreißt zum Mainstream, ohne die Identität der Band zu verkaufen. 
Erst zum Ende des Albums bricht Sczesny aus: In "Ashes" darf er schon mal andeuten, wozu man ihn durchgehend in der Lage hielt. Und in "Independence" gehen dann die Pferde endgültig mit ihm durch: Keine Chance für Wärter oder Gegner. Wodurch seine Performance insgesamt noch eindrucksvoller wird. 7 Songs in 43 Minuten, drei davon über 7 Minuten, die Koblenzer haben etwas zu sagen. Und in der Tat geht es ihnen nicht nur um die Musik. Neben ihrer Unterstützung der Canadian Women's Foundation (durch die Thematisierung des 'Signal For Help' im Video zum grandiosen Album-Opener „Famous Last Words“) möchten die vier Musiker mit "Bricks" den kulturellen Wiederaufbau im Ahrtal unterstützen. Der Gewinn des gesamten Vorverkaufs fließt in die Unterstützung des Landesteils und mit zusätzlichem ehrenamtlichem Engagement u.a. in den Wiederaufbau von kultureller Infrastruktur (z.B. temporären Proberäumen).

Für KW 50: Pale - The Night, The Dawn And What Remains (Grand Hotel van Cleef)

Unverhofft, dramatisch und wunderschön: Dieses Album sollte es nie geben. Denn eigentlich sind Pale bereits seit über zehn Jahren Geschichte. Zwei Schicksalsschläge ließen die Band aus Aachen noch einmal zusammenkommen – um ein definitiv letztes Album einzuspielen. 1993 gründet und 16 Jahre auflöst, 2012 doch nochmal für einen eigentlich letzten großen Abschied in der Heimatstadt die Open Air Bühne betreten. 2019 erhalten Gitarrist Christian Dang-anh und Schlagzeuger Stephan Kochs dann aber am gleichen Tag von ihren Ärzten Diagnosen, die keinen Spielraum bieten. Es ist leider sehr ernst. Über den Schock der Vergänglichkeit finden die zahlreichen Mitglieder, die PALE über die Jahre hatte wieder Kontakt zueinander. Gründungsmitglied Philipp Breuer, eigentlich schon 1996 ausgestiegen, schleppt in dieser Zeit das allererste Demo der Band aus den frühen 90ern an und schlägt vor: "Da könnte man doch nochmal ran!" Schnell fällt die Entscheidung, die wertvolle Zeit, die man noch zusammen hat, mit dem zu füllen, was so viele Jahre Dreh- und Angelpunkt ihrer Leben war: Musik. Von einer aktiven Teilnahme muss Stephan Kochs da aus gesundheitlichen Gründen leider bereits absehen. Trotz der intensiven Behandlungen schreibt, spielt und singt Christian Dang-anh mit der gesamten Band neue Songs ein. Im Mai 2021 erliegt er dann dem Krebs. Jetzt erscheint es endlich, ein tongewordenes Denkmal für die Freundschaft, für die Liebe zur Musik, voller wundervoller Songs. Wie das aufregende „New York“ oder der berührende Abschied von Christian, "Bigger Than Life". Songs, die wie der größte Teil des Albums trotz aller Wehmut, die man haben könnte, voller Energie steckt, voller zündender Melodien und einem mitreißenden Drive. Dazu kommen Duette mit dem ex-Kilians-Sänger Simon den Hartog (in seiner ersten öffentlichen Aufnahme seit dem letzten Album seiner Band von 2012) und Saskia Pasing. Große Emotionen dann doch noch einmal im Finale "Someday You Will Know": Auf "It's the last song of a band / that already played it’s final show" folgt die zufriedene Erkenntnis "We were in this together". Herzergreifend!
Für 2023 haben PALE zwei Konzerte angekündigt: Am 02.03.23 spielt die Band das größte Konzert ihrer Karriere im Kölner Gloria, bei dem sie von zahlreichen musikalischen Gästen begleitet werden. Am 25.02.23 gibt es im Gleis 22 in Münster ein Warm-Up Konzert. Beide Termine sind bereits ausverkauft. :-/

Für KW 49: Mother’s Cake – CYBERFUNK!   (Membran)

Retro Rock 2.0! Updated, upcycled, nenn es wie du willst. Ob das jetzt "Cyberfunk" ist, sei mal dahingestellt, aber warum nicht? Billy Idol hatte mal den Begriff Cyberpunk ins Spiel gebracht, aber bei ihm war`s ein Griff ins Klo. Das ist diese Variante definitiv nicht! Die Innsbrucker rocken zwischen Retro-Style, Jam Rock und deutlich moderneren Zutaten, Computersounds & Disko- bis hin zum Funkrock (in „Hit On Your Girl“) und bleiben doch glücklicherweise weitgehend immer noch eine Rockband. Ein Song wie „The Operator“ könnte in seiner Exaltiertheit auch von den Landsleuten Bilderbuch stammen, deren Erfolg ja schon bewundernswert wenn nicht beneidenswert ist. Mutig, vielleicht auch ein bisschen verrückt, aber sie hatten jetzt ehrlich gesagt auch noch keinen Status, den sie sich mit einem solchen Experiment komplett kaputt machen würden. Im Gegenteil: Ich glaube, dass es sie nur voranbringen kann, auch wenn dieses Album kein großer Erfolg wird. Das gesagt, gefallen mir persönlich die Songs am besten, die am meisten ihrer Retro-Rock Vergangenheit durchblitzen lassen. Aber in seiner Gesamtheit mit Samples, softeren Songs etc. macht das Album extrem Spaß!

Für KW 48: Skalp - Das Gegenteil der Angst (Modern Angst / Sony Music)

Seltsame Songtitel, seltsame Cover - aber eine megaintensive Mischung! Eine große Klappe, eine Stimme oft kurz vor dem Überklappen, Alternative-Rock-Gitarren zwischen Scheppern und Brett und eine überbordene Energie: Skalp aus Ulm gehören auf die große Bühne! Juvenil-energetischer Indie Rock, der an die frühen Madsen oder Blackout Problems erinnert und mitunter grandiose, atmosphärische Momente mit einbaut, und damit immer wieder herrliche Kontraste zum High-Energie-Rock setzt. Die Stimme bleibt meist knapp unterhalb der Schmerzgrenze, also noch im grünen Bereich und der Rest der Band rockt munter und abwechslungsreich drauf los. Die Texte sind mitunter etwas frühreif-philosophisch, ein paar kluge Sätze, die zumindest ein wenig Punk Spirit rüberbringen, aber das mag subjektive Überempfindlichkeit sein. Wenn die Rhythmen etwas anspruchsvoller werden, winken die Intersphere aus der Ferne. Ein tolles Album, das dank seiner unterschiedlichen tollen Momente über volle Länge überzeugen kann und entsprechend Spaß macht. Ein Debütalbum von einer Band, von der man bestimmt noch ganz viel mehr werden wird hören wird.

Für KW 47: Threshold - Dividing Lines (Nuclear Blast)

Wow, ein überraschend fett gelungenes Album! Prinzipiell einzuordnen unter dem Label ProgMetal, aber im Gegensatz zu Dream Theaters Frickel-Prog setzen Threshold auf den Kontrast aus Breitwand-Metal-Passagen und vielen ruhigen Momenten, dominierende Harmmonie und epische Songstrukturen - oder wie mein Radio-Kollege Stephan Glück es ausdrückt: "den Spagat zwischen Heavy-Power und melodiös-atmosphärischer Opulenz". Und der gelingt ihnen auf dem neuen Album - mal wieder - ausgesprochen gut! 
Ein Spagat, der auch Dream Theater natürlich nicht fremd ist, aber die Amerikaner machen das deutlich technischer und komplizierter als die ihre britischen Kollegen. Was nicht heißen soll, dass Threshold nicht auch wiederholt Solopassagen einbauen, allerdings kommen die in erster Linie songdienlich erweiternd daher. Und während on & off Sänger Damian Wilson mittlerweile bei Arena untergekommen ist, sind Threshold wieder mit Glynn Morgan zusammen - der im Gegensatz zu seinem früheren Auftritt auf "Psychedelicatessen" viel, viel besser singt und auf Schrei-Attacken komplett verzichtet. Ganz im Gegenteil: War er 1993 noch der Metal-Shouter, ist er hier vielmehr ein weiterer melodisch ausgleichender Part, der die Musik von "Dividing Lines" auch jedem Nicht-Metal oder Nicht-Prog-Fan schmackhaft machen könnte. 
Das gesagt, sollte man noch die beiden 10+-Minuten-Longtracks erwähnen, die zum hohen Qualitätslevel dieses Albums beitragen. Eigentlich hatte ich gar keine große Motivation, dieses Album ausführlich zu hören, geschweige denn zu rezensieren, aber die Beteiligten lassen mir keine andere Wahl. Und ihr solltet`s auch antesten!

Für KW 46:  The Backseat Lovers - How to Spill  (Capitol Records / Universal Music)

Spannend: The Backseat Lovers platzieren sich locker zwischen Jeff Buckley und Radiohead, womit sie eine spannende Ecke zwischen Singer/Songwriter-Pop und anspruchsvollem (Art-)Rock beackern. Dabei fordern sie mit ihrem extrem leisen Beginn „Silhouette“ den Hörer von Anfang an, verlangen ganz Spotify-untypisch die volle Aufmerksamkeit des Hörers im dem gesunden Selbstvertrauen, dass die Neugier ihn nicht weiterskippen lässt. Man wird belohnt durch die Steigerung des Songs zu einem kurzen, eruptiven Finale, womit sie hier die Extreme ausloten, zwischen denen sie sich weiter bewegen, die sie aber so nicht wieder berühren. Das folgende „Close Your Eyes“ ist vom Aufbau ähnlich, aber ohne die Extreme – entsprechend auch eine der ersten beiden Singles. Im weiteren Verlauf wechseln sie die Stimmungen, mal ganz sanft, und leise, mal rockig und laut, aber immer mit dem gewissen Etwas und tollen Spannungsbögen. Sänger der in Salt Lake City ansässigen Indie-Rocker, Jonas Swanson erinnert wahlweise an Jeff Buckley und Thom Yorke. Ihr Debüt „When We Were Friends“ erschien noch independent, für „How to Spill” landeten sie bereits beim Major: Von dieser Band dürfte noch einiges zu hören sein.

Für KW 45: Palaye Royale - Fever Dream (Virgin Music Las / Universal)

Als Emo-Rock Band Kropp Circle von den drei Brüdern Emerson Barrett Kropp, Remington Leith Kropp, Sebastian Danzig Kropp 2008 gegründet, veröffentlichten sie ihre ersten Alben erst nach der Umbenennung in Palaye Royale (2016, 2018 & 2020). Ihre erste Tournee durch Europa musste 2020 nach zwei Daten in GB wegen Covid abgebrochen werden, vielleicht liegt ihre mangelnde Bekanntheit daran. Wird ihr neues Album daran etwas ändern können? Wegen der Kontaktbeschränkungen zunächst wieder als Trio der Brüder komponiert und aufgenommen, ist die erste Single „Broken“ schonmal ein potentieller Hit. Aber auch der Rest des Albums kann überzeugen. Bezeichnet als ihr „bisher hoffnungsfrohestes Album“ gibt es hier eine volle Ladung Pop mit Crunch – oder auch: Alt. Rock mit Popfaktor.  Der intensive Gesang von Remington Leith platziert das Album irgendwo zwischen Badflower und Sunrise Ave. , wobei die Band im Titelstück auch fast Meat Loaf-Qualitäten entwickelt (bzw. Jim Steinman, weil Meat Loaf erreichen sie dann doch nicht ganz). Durch den Crunch ein abwechslungsreiches Album, auch wenn nur die balladeskeren Songs echte Highlights sind. 

Für KW 44: Alter Bridge - Pawns & Kings (Napalm Records)

Aufnahmen der Firma Creed haben ein Abo auf meine Aufmerksamkeit. Egal was sie machen, ihre musikalische Mischung ist generell so hochwertig, dass ich daran nicht vorbeikomme. Waren in der Vergangenheit die Unterschiede zwischen den einzelnen Abteilungen, sprich Creed, Scott Stapp und Mark Tremonti nicht klar erkennbar, haben Alter Bridge auf ihrem neuen Album den Härtegrad ein wenig erhöht.  Dadurch rutschen einige ihrer Songs auf die Grenze zwischen Hardrock und Metal, gehören aber weitestgehend immer noch zum typischen Soundspektrum. Vor allem die grandiose Stimmung von Myles Kennedy und die Gitarrenarbeit von Mark Tremonti heben diese Songs auf ein Niveau, dass das Prädikat hörenswert allemal verdient. Und ein bisschen Eigenständigkeit kann ja nicht schaden. Abgesehen davon, besitzen auch Songs wie „Stay“, der Titelsong oder das gut achtminütige „Fable Of The Silent Son“ so viel Power und Klasse, dass man die hier gar nicht weiter erklären muss.

Für KW 43: Yes We Mystic - Trust Fall (DevilDuck Records)

So schön und doch so schade: Die kanadische Art-Pop-Band kündigt an, dass ihr drittes Album Trust Fall zugleich ihr letztes sein wird. Dabei kann man sich an diesem Sound gar nicht satthören! Yes We Mystic vereinen den Art Pop von Talk Talk mit den leicht progressiven Elementen Peter Gabriels, dem Pop von Tears for Fears und Coldplay mit zeitgemäßen Elementen. Das Ergebnis ist ein sehr abwechslungsreiches, zeitloses Album mit wunderbaren melodischen Songs, die immer wieder mit überraschenden Elementen begeistern können. Dazu tragen u.a. diverse Gastauftritte bei. 
Als Gruppe von Highschool-Schüler:innen gestartet, die in einem Keller in Winnipeg, Manitoba, mit geliehenen Instrumenten Musik machten, wurden sie innerhalb weniger Jahre zur international tourenden Band, die vom BeatRoute Magazine  als "Art-Pop-Transformatoren“ bezeichnet wurde. Bereits nach der Veröffentlichung ihres zweiten Albums Ten Seated Figures (2019)  war eine der Band ungewiss, nachdem sich die fünf Mitglieder in verschiedene Richtungen gezogen sahen. Am Ende waren es ihre neuen Songs, die das letzte Wort hatten. Adam Fuhr, Keegan Steele, Jensen Fridfinnson, Jodi Plenert und Jordon Ottenson spürten, dass sie gerade dabei waren, das stärkste Material ihrer Karriere zu schreiben. Und genau das kann ich nur bestätigen: Ein krönender Abschluss!
Famous last words (aus dem Finale “Sun Room”): “You hope that it would never change but you had already changed”

Für KW 42: Simple Minds - Direction of the Heart (BMG)

Die Simple Minds sind eine der wenigen Bands, bei denen ich noch auf dem Newsletter stehe. Alte Verbundenheit. Darankonnten auch ihre beiden schwachen letzten Alben nichts ändern. „Big Music“ (2014) und „Walk Between The Worlds“ (2018), beide viel zu Pop, unkreativ, weitgehend mit unnötigen Diskobeats versehen. Als wenn Jim Kerr und Charlie Burchill noch nicht verstanden hätten, dass sie trotz Glitzerkugel für Teenies nicht mehr attraktiv sein werden. Der ausbleibende Erfolg von Singles und Alben bestätigte alle Kritiker und ließ hoffen, dass die beiden zur Vernunft kommen würden. 
Die (zweite) Single zum neuen Album, „First you jump“ ließ aufhorchen, ja erinnerte fast an alte Großtaten. Aber von Vernunft ansonsten leider keine Spur: Leider kann das Album die aufkeimenden Hoffnungen nicht bestätigen. „Direction of the Heart” wiederholt alles, was o.g. Alben falsch gemacht haben. Ehrlich gesagt war mir da sogar die zwischenzeitliche Rückkehr zu altem Wave-Sound Ende der 2000er lieber –weil letztlich immerhin eine Rückkehr zu den Wurzeln war und damit passender. Erst in der Mitte mit der guten, atmosphärischen Ballade „Solstice Kiss“ sowie mit dem letzten Song, „The Walls came down“ kommen sie ihrem Image einer Rockband noch einmal ein bisschen näher: Mit der Coverversion können sie das Original von The Call sogar um Längen übertreffen. Aber rausreißen können sie das Album damit auch nicht mehr. 

Für KW 41: Red Hot Chili Peppers - Return of the Dream Canteen (WEA)

Back to the Sixties: zwei Alben in einem Jahr. Keine aufgeblasene Promo-Ankündigung sechs Monate im Voraus, drei Single Veröffentlichungen und medienwirksam Release-Day-Aktivitäten, was für eine Mega Band wie Red Hot Chili Peppers kein undenkbares Szenario wäre. Stattdessen einfach ein Album. 17 Songs, 75 Minuten und nicht ein einziger Ausfall dabei! Das nenn ich mal Wiedergutmachung für das relativ schwache erste Album "Unlimited Love" im Frühjahr. Was nicht heißen soll, dass sie hier einen Meilenstein abgeliefert hätten, der letzte davon heißt für mich immer noch "The Getaway" (2016), aber neben ein paar ruhigeren oder auch Pop-orientierteren Songs gibt es hier zumindest ein paar gute Rock-Songs, wie das Highlight "Eddie", der obwohl komplett RHCP-typisch zumindest angesichts seines extended Solos durchaus eine ernstgemeinte Hommage sein könnte. Ansonsten schimmert hier nämlich auch immer wieder der Humor der Klamaukbrüder durch. 

Für KW 40: Crone – Gotta Light? (Prophecy Productions)

Sie sind wie einer der helleren Tage im November. Bei Prophecy Productions und grundsätzlich im Gothic Rock Genre beheimatet, bauen Crone immer wieder schöne, helle Momente in ihre Musik ein. Lockere Gitarrenlicks, perlende Pianoläufe, das hellt ihre Musik schon immer wieder auf, vor allem, wenn sie dann, was öfter vorkommt, auch mal schnellere Beats anschlagen. 
Songs wie „Gemini“, „They“ oder „Quicksand“ sind einfach gut arrangierte Rocksongs in einem Genre, das sonst weitgehend von düsteren, langsamen Klängen dominiert sind. Auch diese Seite gibt es, schließlich sind wir ja noch im November, d.h. dass auch Crone gerne etwas langsamer, mächtiger, und düsterer zu Werke gehen, hier in den meisten Fällen ergänzt durch tolle Gitrarrensoli, die die Songs aufwerten. Insgesamt ergibt sich hier ein sehr ausgewogenes Verhältnis, so dass das Album schon zu gefallen weiß. H.I.M. und The Mission sind mögliche Referenznamen, wobei Crone schon ihren sehr eigenen Stil haben. Lediglich Gesang und Texte sind leider manchmal etwas klischeehaft und können den hohen musikalischen Anspruch nicht immerhalten.

Für KW 39: Sebastian Madsen - Ein bisschen Seele (Isbessa / The Orchard)

Sänger geht solo: Da öffnen sich durch die Bekanntheit seiner Stimme schnell ein paar Türen, auch wenn „Seele“ mit dem Rock seiner nach ihm (und seinen Brüdern) benannten Hauptband weniger zu tun hat. Irgendwo zwischen dem Soul eines Phil Collins und den softeren Songs von Madsen machen die Songs durchaus Spaß, rutschen allerdings auch ein, zwei Mal über die Kitschgrenze ("Das Gewitter"). Interessanterweise bleibt trotz der andersartigen Arrangements sein Melodienkosmos sehr ähnlich: Songs, wie „Als bei uns Sommer war“ hat man so auch von ihm schon diverse Male gehört, Dabei sind die Texte mal wieder Madsen-typisch sehr unterhaltsam und machen dieses Album durchaus hörenswert. Insgesamt fehlt aber ein wenig die Abwechslung und Spannung auf diesem Album. Aber Weisheiten wie „Sei nur du selbst“ oder  Beobachtungen wie „Immer nur am Handy“ sind einfach klasse!

Für KW 38: David Paich - Forgotten Toys (The Players Club/ Mascot / RTD)

Der dritte im Bunde: Nach Steve Lukather und Josef Williams kommt jetzt mit David Page der dritte Toto-Musiker in diesem Jahr mit einem Soloalbum. Ein Album das in den meisten Fällen beweist, wie sehr die alten Toto Recken ihre Musik in die DNA aufgenommen. Da ist natürlich auch nicht viel anderes zu erwarten, wenn sie solo agieren. Wobei solo auch in diesem Fall heißt, dass die Weggefährten dabei sind, d.h. in diesem Fall Steve Lukather und Josef Williams. Dazu kommen u.a. Brian Eno, Michael McDonald und Ray Parker Jr. Die Songs sind, das deutet der Albumtitel schon an, Ideen, die lange Zeit auf einen Einsatz warteten… oder vielleicht auch nicht? Denn die Frage bleibt: Sind im Ergebnis drei Soloalben also dreifacher Toto Spaß? Leider geht die Formel nicht auf. Denn einerseits wollen auch bei David Page nicht alle Songs richtig zünden, streng genommen ist eigentlich gar kein Highlight dabei. Irgendwas fehlt immer. Zudem lässt sich ein Solo Album definitiv nicht mit einem Toto Album vergleichen, einem Album, bei dem sich eine ganze Riege hochkarätiger Songwriter Material beisteuern, sich alle Beteiligten der Verpflichtung ihres Namens bewusst sind und Songs der Qualität des vorliegenden Albums entweder durch massiven Kreativitätseinsatz bearbeitet und glanzpoliert oder aber auf Halde geschoben hätten. Deshalb ist auch dieses Album nur ein B-Ersatz und es bleibt die Hoffnung, dass wir die Jungs auch unter dem Namen Toto wiedererleben, und die Frage, was dann dabei herauskommt.

Für KW 37: The Afghan Whigs – How Do You Burn (Sub Pop)

Sie sind nicht mehr die produktivste Band, aber dafür sind ihre Alben schlicht klasse! Seit den späten 90ern, als sie Alben noch im Zweijahrestakt veröffentlicht hatten, gab es nur zwei Alben, jetzt sind sie wieder da. Schon hier könnte man den Vergleich zu Peter Gabriel ziehen, aber der wäre noch zu künstlich herbeigezogen. Musikalisch sind da deutlich mehr Parallelen. Den lauten Rock ihres 2014er „Do To The Beast“ präsentieren sie nur im Opener „I'll Make You See God“, danach geht es mit einer Mischung aus dem harmonischen und balladesken Art-Pop des 2017er Nachfolgers „In Spades“ auf der einen, und polyrhythmisch orientierten Songs zwischen Groove und World Beat wie "The Getaway" und "Catch A Colt" (schönes Wortspiel in den Waffen-zugänglichen USA!) weiter. Dabei passiert in den Songs immer eine ganze Menge mehr als das einfache Strophe-Refrain Schema, ohne dabei allerdings irgendetwas mit Prog Rock zu tun zu haben. Stattdessen ist das Album einfach nur wunderbar vielschichtig, gespickt mit zahlreichen Highlight-Songs, Duett Gesang und vielschichtiger Entwicklung. Toll!.

Für KW 36: Steve Hackett - Genesis Revisited Live Seconds Out & More
(Inside Out Music)

„Every Day“, im Original von seinem 1979er-Soloalbum "Spectral Mornings" verdeutlicht es auf wundervolle Weise: Für mich das erste Album, das ich seinerzeit von ihm gehört hatte, als ich mein Wissen um das Genesis-Umfeld vermehren wollte und die Genesis Alben allein mir nicht mehr ausreichten. Erschien mir damals noch etwas zu 70s-lastig, sowohl was die Verspieltheit als auch den Sound angeht, aber ist jetzt im Rückblick natürlich ein absoluter Klassiker der auch im direkten Vergleich mit Genesis Material absolut bestehen kann. 
Hackett hatte in den Siebzigern und Achtzigern ja immer so eine on-off Beziehung zu Genesis-Songs, hatte lange versucht, als Solokünstler nur mit seinem Solomaterial zu bestehen, hatte dann irgendwann mal eine Genesis-Tournee eingebaut und dabei wesentlich größere Besucherzahlen erreichen können. Danach versuchte er es auch wieder ohne Genesis-Material, aber hat dann irgendwann verstanden, dass er immer noch für die Band steht, dass die Leute auch diese Seite von ihm hören wollen, zumal es das Original immer seltener gab, und verstand es schließlich, die beiden Seiten glücklich zu vereinbaren. Damit befindet er sich seitdem gefühlt auf einem Dauerhoch, von dem letztlich auch seine Soloalben immer wieder profitieren konnten. Und genau das ist es, was auch dieses Live-Album einmal mehr ausmacht und beweisen kann.

Für KW 35: Lonely Robot - A Model Life (InsideOut/Sony)

Seit seine Albumtrilogie vorbei ist, schlägt John Mitchell auch persönlichere, bisweilen ruhigere Töne an. Album No. 5 unter dem Nmen Lonely Robot und bringt einen weiteren Farbtupfer mit rein, der auf eine einfaches Schlagwort zu reduzieren ist: Hit! Gar nicht auszumalen, was passieren würde, wenn auf diesem Album der Name Peter Gabriel stünde. Die Rockwelt würde stillstehen vor Ehrfurcht. Ja, dies ist ein Hit-Album! Manch eingefleischter Artrock- und Rock-Fan mag es auch vielleicht das Pop-Album nennen, fest steht, dass John Mitchell, der schon immer für seine ausgezeichneten Songideen bekannt war, selten so Hit- und Mainstream-affin war, wie auf diesem Album. Wer John Mitchell kennt, weiß natürlich, dass die Rock Momente nie zu kurz kommen, und dass die Pop-These eine ketzerische ist. 
Den Pop-Puristen dürften z.B. die kräftigen Gitarrenriffs und -soli stören, aber das nenne ich jetzt mal ausgleichende Gerechtigkeit. Wir sprechen hier von einem Pop-Album, wie es Peter Gabriel in den Achtzigern aufgenommen hat, und da waren ja auch Gitarren noch erlaubt. Der Name Gabriel ist natürlich nicht zufällig gewählt, denn Parallelen gibt es einige – musikalische wie stimmliche. Der Beginn von „Digital God Machine“, der E-Piano-Sound in „Species In Transition“, die omnipräsente Melancholie in den Songs, es gibt immer wieder Momente, in denen man sofort in das Genesis-Umfeld hineinversetzt wird.
Ein Gabriel-Album dieser Qualität wäre eine Sensation – und ehrlicherweise nicht zu erwarten. Aber wir lassen uns gerne überraschen. In der Zwischenzeit empfehle ich jedem, diesem Album eine Chance zu geben und John Mitchell die Bühne die er verdient.

Für KW 34: Spielbergs - Vestli (Label: Big Scary Monsters/Vertrieb: The Orchard)

Hat dich das letzte Frank Turner Album auch so angefixt? Dann gibt es hier Nachschub: Den Spirit des Punk, die Coolness desIndie-Rock und genug Melodie um theoretisch auch mal einen Hit landen zu können (wenn die Welt fair genug wäre). So lässt sich dieses Power-Trio aus Oslo zusammenfassen. Das ist fetter, richtig guter, kerniger Indie-Rock mit Kante! Womit sie mich an die (nicht nur von mir)  hoch gehandelten Kollegen von Black Foxxes und Frank Turner erinnern. Wie Letzterer haben die Spielbergs eine sehr geschickte Art, ihren rauen Drive in eine Melodie übergehen zu lassen, dass sie immer wieder herrliche Kontraste und Momente zum Durchatmen liefern. Das treiben sie nach „Go!“ sowie nach der infernalischen Steigerung in „There´s No Way Out” auf die Spitze, indem sie ganze Tracks als Ruhepausen hinterherschieben. Mega! 
Schon mit ihrem Debütalbum „This is not the End“ hinterließen sie 2019 sie einen extrem guten Eindruck, von den beiden EPs davor und danach ganz zu schweigen: Nicht nur dass es „Running All The Way Home“ (2019) mit 8 Songs auf 46 Minuten Spielzeit brachte, hier konnten sie vor allem auch ihren Abwechslungsreichtum unter Beweis stellen. Mit "Vestli" (benannt nach dem Vorortbezirk von Oslo, in dem zwei der drei Bandmitglieder aufgewachsen sind) beweisen sie, dass sie diese Klasse halten können. 

Für KW 33: Ryo Okumoto - The Myth of the Mostrophus (InsideOut / Sony)

Solo ist das neue Bandalbum. Nachdem schon Flower King Jonas Lindberg gezeigt hat, dass er solo in ähnlicher Qualität abliefern kann, wie seine Stammland, zeigt auch Ryo Okumoto, was er von der Band-Chemie in den letzten Jahren alles aufgesogen hat. Beim Opener „Mirror Mirror” muss man in der Tat nochmal kurz aufs Cover gucken: Nein es ist wirklich nicht Spocks Beard, was da steht, sondern Ryo Okumoto. Während man zunächst noch terminliche Gründe vermutet, weshalb man dieses Album nicht als Grundlage für ein Bandalbum zusammen genutzt hat, klärt der Keyboarder die Sache im Info selbst auf. Demnach war Ryo von Michael Whiteman (I Am the Manic Whale) derart begeistert, dass er ihn nach einer Kollaboration gefragt hat, ihm nach dessen Zusage 30 Demos geschickt hat und Whiteman die ausgearbeitet hat. Die Songs seien für ihn seine Version von Spock´s Beard, weshalb er darauf kam, aktuelle und ehemalige Mitglieder um Mitarbeit zu bitten. Und die kamen reichlich – und weitere obendrein. Nick D’Virgilio (Drums & Vocals), Al Morse (Guitar), Dave Meros (Bass), Ted Leonard (Vocals), Jimmy Keegan (Vocals) erklären die Qualität des Endergebnisses. Dazu kommen ein fetter Sound und tolle Soli, u.a. durch Steve Hackett, Mike Keneally und Marc Bonila. Die Freiheit als Chef nutzt Ryo zudem dadurch, dass er eben nicht nur Ted Leonard und Jimmy Keegan als Sänger an Bord hat, sondern auch Michael Sadler. Auch die Idee, den „Abacab“-Rhythmus 1:1 zu übernehmen aber mit neuer Melodie zu versehen („The Watchmaker“) macht Spaß! Er krönt seine Bemühungen mit dem 22-minütigen „The Myth Of The Mostrophus“, das noch einmal alle Spock`s Register zieht. Ein 60 Minuten Prog-Feuerwerk! Wann legen Spock`s eigentlich mal wieder nach? 

Für KW 32: The Shadow Lizards - Someone`s Heartache (Tonzonen Records/ Soulfood)

Im Frühjahr 21, als die Zwangspause aller Live-Aktivitäten langsam begann schmerzhaft zu werden, erschien „The Battle at Garden s Gate“, das zweite Album von Greta Van Fleet. Und weil man gerade so drin war im Streamen von Live-Konzerten, verfing ich mich in den Videos dieser Band. Kann ich nur empfehlen, es lohnt sich. Seit diesem Album stehen die Gretas auf einem Sockel, weil sie den Retro-Rock auf eine neue Stufe hoben, die mit so viel eigener Frische angereichert waren, dass es eine Freude war. Seit diesem Album müssen sich ähnliche Bands an Greta messen lassen. The Shadow Lizards sind eine dieser Bands.
“Someone`s Heartache” ist ihr zweites Album, und sie agieren darauf so entspannt, als hätten sie diesen ganzen Led Zeppelin- und Greta-Hype und Erfolg schon hinter sich. Mit diesem lässigen Selbstverständnis legt das Trio mit dem Instrumental „Stardust“ mit dem ersten Highlight los, bevor sie erst einmal wieder einen Gang zurückschalten und im folgenden „You Can't Runaway From Your Soul“ ganz langsam starten, bevor sie in die Nähe eines Rockmomentum kommen. Der kommt im Titelstück, in „No one can save me“ und vor allem im achtminütigen Epos „Home or Lost“ genauso wie im abschließenden „Who is Who“, in Momenten wo Gitarrist Kris Karla richtig abgeht, aber man hat das Gefühl, sie legen es gar nicht groß darauf an. Sie können rocken, sie können aber auch ganz entspannt. Bisweilen fast zu entspannt… aber das können sie ja live nachholen. Apropos: Während ich seit KW 16/2021 darauf warte, dass ich die Chance habe, die Amis live im Norden zu sehen, könnte sich das bei The Shadow Lizards schon viel eher ergeben, denn das Trio kommt aus Nürnberg! Da sollte sich doch was machen lassen. 

Für KW 31: Legacy Pilots - The Penrose Triangle (bandcamp)

Wer A sagt, muss auch B sagen. Was in diesem Fall nicht so schwer ist, geschweige denn eine undankbare Aufgabe. Will meinen, wer das neue Album von Project Patchwork vorstellt, muss auch dringend nochmal auf das ebenfalls dritte Album der Legacy Pilots zu sprechen kommen, auch wenn das schon ein paar Monate alt ist. Bei dem Projekt des Hamburgers Frank Us gibt es da nämlich durchaus ein paar Parallelen: Wie Gerd Albers hat auch Frank Us einmal mehr eine Menge prominenter Musiker um sich versammelt – so wie Drummer Marco Minnemann; Bassist Pete Trewavas oder sein Marillion-Kollege Steven Rothery, um nur einige zu nennen. Und mit John Mitchell, Finally George und Jake Livgren hat er zudem auch extrem illustre Sänger-Riege gewinnen können. Respekt! Deshalb punktet er in dem Fall, bzw. in den Songs. Demgegenüber stehen mehrere Instrumentalsongs, die in bester ELP-Tradition stehen, mich allerdings nicht ganz so abholen und deswegen einen für mich eher unnötigen Schwerpunkt bilden. Dabei beweist Us, dass er selbst auch gut singen kann… wäre also doch gar nicht nötig gewesen ;-) 

Für KW 30: Project Patchwork - Ultima Ratio (Progressive Promotion Records)

Das klingt nach einer erfüllenden Aufgabe: In Ruhe Songs zu komponieren, und sie dann mithilfe zahlreicher Musikfreunde einzuspielen. Das Problem dabei ist aber, dass alle Aufgaben, die sonst von einer ganzen Band erledigt werden könnten, letztlich an einer Person hängen bleiben. Das kann dann auch etwas viel werden, wenn man einen Großteil auch noch selbst einspielt und das Ganze ersucht, nebenbei zu betreiben.
Komponist, Gitarrist und Schlagzeuger Gerd Albers hat sich dieser Aufgabe trotzdem bereits zum dritten, allerdings auch letzten Mal gestellt und ein weiteres Mal eine illustre Gruppe um sich scharen können, die seine Ideen exzellent umsetzen. Fette Drums, teilweise von Albers selbst, mächtige Keyboards (u.a. von Marek Arnold) und immer wieder die exzellente Gitarrenarbeit, in einem Fall auch noch durch einen Gastbeitrag von Martin Schnella ergänzt, sind die Grundlage für die Songs, die jedem Eloy-Album zu Ehre gereichen würden. Dazu kommen diverse Spielereien von weiteren Akteuren. Kritischer Punkt ist sicherlich der  Gesang, der aber sehr abwechslungsreich und in den meisten Fällen sehr gut gelöst wurde – hier wäre weniger manchmal mehr gewesen, aber da denke ich bei Marillion auch oft.
Während das Eröffnungsduo noch etwas zusammengestückelt klingt, ist Track 3 „Weeks Of Sorrow“ mit Subsignal Sänger Arno Menses das erste Ausrufezeichen. Weitere Klasse-Songs folgen, wie “Dead End Street” und v.a. der Longtrack “Keepers Of The Fire”. Insgesamt überzeugt das Album durch seine Abwechslun, aufgrund der eingangs beschriebenen Problematik erklärt Albers aber, dass dies sein letztes Album sein wird. Mit den Songs die er hier geschaffen hat, kann man ihm nur wünschen, dass er eine Band findet, in die er zukünftige Ideen einbringen kann.

Für KW 29: We Broke The Weather - We Broke The Weather.com

Neue Band, Debütalbum: Ich nehme an, das ist prinzipiell, wonach ihr sucht, sonst würdet ihr diese Seiten nicht immer wieder anwählen. Dieser Band aus Massachusetts sollte man Gehör geben – für ihre Ideen, ihre Vielfalt und ihre Einzigartigkeit. Während die Vielfalt der Genres an die Eklektik (und einiges mehr) des Krautrock erinnert, nutzen sie letztlich nur die grenzenlose Freiheit des Progressive Rock, um ihren Ideen den nötigen Raum zu geben. Dabei bedienen sie sich aller Zutaten du Elemente aber nur selten der typischen Klischees des Prog, und das macht dieses Album so erfrischend und anders. Entsprechend können hier kaum Referenzen genannt werden, außer den prinzipiellen Verwandten wie Yes, King Crimson oder Rush, vielleicht Izz, um jetzt mal zumindest diese Seite abzudecken – aber glücklicherweise könnt ihr in Ruhe auf ihrer Seite reinhören. Das übliche Rock-Instrumentarium wird vereinzelt erweitert durch eine Bläsersektion oder auch nur einzelne Trompete, Saxofon oder Klarinette, Rock wechselt mit Jazz, Ska-Elemente mit Joe Jackson-Pop, bevor das nächste Rockgewitter hereinbricht, in dem die Gitarre auch gerne mal etwas härter angeschlagen werden kann. All das geschieht im stetigen Wechsel, ohne dabei verwirrend oder störend zu werden. Der Song bleibt im Zentrum bestehen, auch wenn er selten einfach nur durchläuft; ständig werden irgendwelche Hindernisse eingebaut. Ein wunderbar abwechslungsreiches und wundervoll inspirierendes Album!

Für KW 28:...And You Will Know Us By The Trail Of Dead - XI BLEED HERE NOW
(InsideOut / Sony)

Sie sind wieder zur kompletten Band angewachsen! Und hauen ein Album raus, das sich wie ein Soundtrack, zumindest aber (mal wieder) wie ein Konzeptalbum anfühlt. Die Songs gehen oft ineinander über, sind bisweilen mit kurzen Interludes verbunden, so dass ein wunderbarer Fluss entsteht. Trotzdem hat das Album zwei Seiten. Auch wenn sie Teil eins mit einem  relativ spannenden Intro starten, geben sie sich auf den ersten 9 Songs, also Seite 1 geben Sie sich noch songorientierter, spielen in einem Track ein wenig mit den Takten, geben sich aber ansonsten noch relativ songorientiert und radiofreundlich. 
Im zweiten Teil, beginnend mit dem ersten Highlight des Albums, „Golden Sail“, gibt es mehr Rock, mehr Drama, mehr Opulenz, mehr Pink Floyd. Da ist sie plötzlich wieder, diese Kombination aus Alternative Rock und Prog, die schon in der Vergangenheit wiederholt von Ihnen gehört hat. Das nächste Highlight „Taken By the Hand“ lässt nicht lange auf sich warten und bringt es auf 11 Minuten und auch im weiteren Verlauf zaubern sie viele spannende und viele schöne Momente auf Tapet. Die erste Hälfte des Albums mag ein wenig zu harmlos geraten sein, die zweite Seite hebt die Qualität und die Spannung des Albums deutlich an – und ist mit 48 Minuten auch der deutlich längere. Und auch wenn letztlich kein richtiger Highlight-Track dabei ist, ist das Album eine musikalisch gelungene und hörenswerte Reise.

Für KW 27: Journey - Freedom (Frontiers Music)

Aus dieser Band soll mal einer schlau werden. 2005 erzählte mir Keyboarder Jonathan Cain noch im Interview (siehe hier), dass sie gar keine Alben mehr machen wollten, weil sie der Meinung waren, dass die keiner mehr kaufen würde, dann überzeugte Frontiers Records sie offensichtlich vom Gegenteil, weshalb sie bis 2011 gleich drei Alben produzierten, u.a. auch, weil sie festgestellt hatten, dass ihr neuer Sänger Arnel Pineda auch noch ein guter Songwriter ist (siehe ebd.). Dazu kamen sie endlich (!) auch wieder für Konzerte nach Europa, ließen sich in Hallen und auf Festivals feiern – und dann stellten sie die Studioaktivitäten doch wieder komplett ein. Lag es an den Streitereien mit Drummer Deen Castronovo, der in der Zwischenzeit tolle Soloalben auf Journey-Niveau unter dem Namen Revolution Saints veröffentlichte? Die scheinen jedenfalls wieder ad acta gelegt, denn der ist mittlerweile wieder an Bord. 2018 in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen, sind die Jungs um Gründungs- und Langzeitmitglied, Gitarrist Neal Schon jetzt, 11 Jahre nach ihrem letzten Album, wieder da! Und sie machen keine halben Sachen: 15 neue Songs, die alles vereinen, was man von dieser Band hören will – und die dermaßen begeistern, dass man gewillt ist, sie, bzw. viele von ihnen zum Besten zu zählen, was sie seit ihren erfolgreichen Achtzigern veröffentlicht haben. 
Schon die erste Single “You Got The Best Of Me” ließ Einiges erhoffen, aber dass es noch einmal so groß werden könnte, übertrifft dann doch die Erwartungen. Zwar beginnen sie das Album ungewohnt ruhig, steigern sich aber schon im Opener zum kräftigen Rock-Act. Das folgende „Don't Give Up On Us“ (sic!) nimmt mal eben locker den „Seperate Ways“ Vergleich auf. Und allein die Tracks eins bis drei sowie die darauf folgenden Ballade „You Got The Best Of Me“ sind schon jetzt kaum von einer zukünftigen Best Of Kopplung wegzudenken; von den weiteren Singles des Albums ganz zu schweigen. Neal Schon ist immer wieder Dreh- und Angelpunkt des Geschehens uns seine Soli einmal mehr wunderschön! Weiter beschreiben muss man es nicht, dafür kennt man den Sound dieser Band zu gut, aber bewerten darf man. Das ist 73 Minuten Stadionrock par excellence, für den man sich auch hier bei uns das richtige Setting für die Jungs wünscht – wenn sie denn damit vorbeischauen. Solange kann ich dieses Album nur wärmstens empfehlen! 

Für KW 26: Porcupine Tree - Closure / Continuation (Music For Nations/Sony Music)

Im ersten Moment erschien die Meldung Ende letzten Jahres wie eine Sensation, bei genauerer Betrachtung war es vielleicht die einzige Möglichkeit, die Wunderknabe Steven Wilson geblieben war. Dass er sich mit seinem letzten Album verzockt hatte, war offensichtlich, und nicht das Verschulden der Pandemie, die alle Begleitphänomene, die er mit der Veröffentlichung von „The Future Bites“ geplant hatte, im Keim erstickte. Das Album war trotz einiger heller Momente eine mittlere Katastrophe gemessen an dem Potential, das man dem Briten zuschreiben konnte. Wohin also mit den Ideen, die er – offensichtlich schon seit einigen Jahren – gesammelt hatte? Wäre er unter eigenem Namen zurückgekehrt zum Progrock, hätte er den Weg, den er eingeschlagen hatte, selbst ins Lächerliche gezogen. Drastisch ausgedrückt. Zudem dürfte die versandete Future Bites-Kampagne den einen oder anderen Pfund verschlungen haben. Also lieber zurück mit einem richtigen Paukenschlag? Inklusive der im Albumtitel angedeuteten Hintertür, die Sache entweder immerhin zu einem würdigen Ende geführt zu haben, oder aber als Beginn eines neuen Chapters zu verstehen, was, siehe Interview, noch gar nicht entschieden ist. Womit wir bei der Frage sind, ob „Closure / Continuation“ Grund genug ist, auf Zweiteres zu hoffen. 
Die erste Vorabsingle „Harridan“ war ja schonmal ein leckerer Appetithappen – beruhigend rockig, angemessen komplex und typisch PT. Kein Highlight, aber schon das, was man sich erhoffen konnte. Das Album legt nach mit dem Single-tauglichen „Of The New Day“, eine gute Mischung aus Ballade und Prog-Rocker, die auch locker auf Wilsons Solo-Highlights gepasst hätte. Letzteres könnte man auch zu „Rats Return“ sagen: Ein toller Rocker zwischen Heavy und Komplex-Prog mit gelungener Atmosphäre. Atmosphärisch wird es auch in „Dignity“. Die zweite Single „Hard Culling“ ist noch ein weiteres sehr typisches PT-Rock-Highlight, bevor das Album mit „Walk the Plank“ zunächst etwas seichter und im abschließenden „Chimeras Wreck“ etwas melancholisch wirr wird, beide mit typischer Wilson/PT-Handschrift, aber keine Großtaten. Die beschriebenen 45 Minuten werden durch drei Bonustracks ergänzt, die sich in sehr ähnlicher Manier einreihen. Alles gute Songs, bei denen jeder Fan froh ist, dass PT wieder da sind und Wilson zurück auf der (Rock-)Spur, die aber selten zu den ganz großen Glücksmomenten führen. Dafür sind die Songs zu bunt zusammengewürfelt, zu typisch und ohne die Band in neue Regionen zu führen, was vielleicht aber auch etwas zu viel verlangt wäre. Das könnte man sich für eine Fortsetzung erhoffen, die sicherlich von den Allermeisten sehnlicher erwünscht würde, als ein „Future Bites“-Nachfolger. Das, um die o.g. Frage zu beantworten, schafft dieses Album auf jeden Fall! 

Für KW 25: Coheed And Cambria - Vaxis II: A Window of the Waking Mind (Roadrunner)

Interessanterweise bezieht sich ihre Plattenfirma auf ihre PopPunk Wurzeln, und in der Tat sind die New Yorker auch in erster Linie hochenergetisch und extrem eingängig. Das macht den Großteil der Anziehung ihrer Songs aus. Dass man trotzdem nicht nach der Mitte des Albums bereits gelangweilt ist und sich beim zweiten Hördurchgang schon hilfesuchend nach Alternativen umschaut, liegt an der Abwechslung des Albums und am Anspruch der Band. Sie erweitern ihre Soundpalette mit wahlweise Elektronik oder Stadionrock-Attitüde, trauen sich auch ganz leise Momente und arbeiten mit im Vorabinfo nicht weiter genanntem Gastgesang. Zudem deutet der Albumtitel „Vaxis II“ schon an, dass wir es mit einer Fortsetzung ihrer auf fünf Alben angelegten Story zu “The Amory Wars” zu tun haben, einer Geschichte von einem Paar auf der Flucht vor tyrannischen Mächten. Auch beim neuen Album gibt es in der Deluxe-Version einen bebilderten, 96-seitigen Roman „A Window of the Waking Mind“ dazu, der von Sanchez entwickelt und von seiner Frau Chondra Echtert geschrieben wurde. Weitere Formate enthalten weitere Goodies, auf die ich jetzt nicht weitere eingehe. Spannender ist die Musik – und die wird im Verlauf des Albums immer theatralischer, schon das knapp 7minütige “Ladders of Supremacy” ist ProgRock, das abschließende knapp 9minütige „Window of the Waking Mind” erinnert an Arjen Lucassen. Das ist eine weite Reise im Vergleich zum oben erwähnten Einstieg des Albums, aber ähnliche Neigungen gibt es ja auch bei Kollegen wie Tom DeLonges Blink182 vs. Angels & Airwaves-Unternehmungen. I like it!

Für KW 24: ME REX – Pterodactyl / Plesiosaur

EPs sind ja extrem in Mode gekommen - sei es wegen Corona, als viele Bands begannen, ihre Alben zurückzuhalten, weil sie meinten, ohne Tournee lohnt sich die Veröffentlichung nicht, ohne Lebenszeichen ist aber auch doof, sei es wegen des veränderten Zeitgeists, in denen Alben ohnehin nur noch ein egozentrisches Luxusprodukt für geltungssüchtige Künstler sind, weil eh niemand mehr Zeit hat (bzw. sich nimmt), mehr als die Singles zu hören (Vorsicht: Sarkasmus!). Da stellt so eine Ep einen halbwegs akzeptablen Kompromiss aus Single-Halbwertszeit und wertiger Veröffentlchung dar. 
Mir persönlich fehlt bei EPs (und bei Singles sowieso) die Möglichkeit zum Gesamteinblick. Ein Hit ist schnell geschrieben, ein zwei weitere okaye Songs dazu vielleicht auch noch, da ist eine guute EP schnell gefüllt. Um mir ein Urteil über eine Band bilden zu können, möchte ich mehr hören. Deswegen stelle ich EPs gerne in meiner Radiosendung vor, als wertige, in schriftlicher Form vorstellenswerte VÖ sehe ich sie selten.
Das vorliegende Exemplar ist jetzt die zweite ansprechende VÖ in Folge von einer Band, deren letzte vollständige CD ich ohnehin noch einmal nennen wollte.
2018 als Soloprojekt von Myles McCabe gegründet, war "Megabear" das 2021 veröffentlichte Debütabum des Quartetts: Bestehend aus 52 Tracks, die man per Random-Modus beliebig zusammenstellen konnte. Ein interessantes Experiment, auf das man auch erstmal kommen muss und mit dem man sich schon mal Kreativitätspunkte sichern kann. Aber abgesehen davon, dass der Übergang nicht immer 100% passte, war es letztlich unbefriedigend abwechslungsarm, weil jeder Track in derselben Tonart enden musste, wie es angefangen hat und in den dazwischenliegenden 30-60 Sekunden einfach zu wenig Zeit für Spannung blieb. Da sind mir ihre frischen, abwechslungsreichen Rocksongs ihrer beiden EPs deutlich lieber. Gesanglich wie musikalisch in der Nähe von Frank Turner angesiedelt, weisen sie ein ähnliches Hitportential wie dessen Singles auf - und das ist schon bemerkenswert. 
Am 4.2. erschien ihre EP "Pterodactyl", "Plesiosaur" setzt die EP Serie erfolgreich fort, zeitgleich mit der digitalen Veröffetlichung erscheinen beide auch als gemeinsame Vinyl. Die Tournee mit Foxing im Mai wurde derweil leider abgesagt. 

Für KW 23: Astronoid - Radiant Bloom (Century Media / Sony)

Tolle Harmonieren, fetter Sound, Walls of Sound: Das ist fettester Post-Rock, den es sonst nur instrumental gibt. Hier ist er mit Gesang kombiniert, der so lieblich ist, das es den maximalen tollen Kontrast bildet. Selbst, wenn es musikalisch teilweise bis zum Double Bass Drum-Gewitter geht, wird das durch den lieblichen Gesang komplett entschärft. 
Das hat den Stadionrock-Charakter von Tom DeLonges Angels & Airwaves, und erinnert nebenbei an alle Postrock Kandidaten, macht scheinbar alles richtig, hat aber doch einen Haken: Was fehlt, ist die Abwechslung und die Laut-Leise Dynamik.  Denn leider beschränken sich Astronoid – ähnlich wie Lonely The Brave – auf weitestgehend durchgehende High Energy Songs. Das ist erst mal gut, auf Dauer aber auch etwas ermüdend. Allerdings ist das Meckern auf sehr hohem Niveau. Der langsame Beginn im Opener „Admin“  ist da noch die maximale Abwechslung. Zwar reißt das Bostoner Quartett schon mit den ersten 4 Songs alles ein, was ihnen an Abneigung entgegentreten könnte, aber danach lässt die Songqualität im weiteren Verlauf doch etwas nach. Oder liegt es an der fehlenden Abwechslung, die einem zu viel Zeit lässt, sich um das Drumherum zu kümmern? Und dabei bemerkt, dass auch im Gesangsbereich Luft nach oben ist.  Also: auf dem richtigen Weg sind die Jungs hier definitiv, aber für ein Meisterwerk braucht es mehr.  

Für KW 22: Galaxy - Runaway Men (Shaded Moon Entertainment/Bertus)

Eine tolle Geschichte: 25 Jahre nachdem die Niederländer Galaxy (1983-1997) ihr Debütalbum aufgenommen haben, wird es endlich veröffentlicht – und sogar ordentlich promotet. Seinerzeit aufgenommen, aber niemals abgemischt und der Öffentlichkeit zugänglich gemacht, weil sich ihre Lebenswege trennten, wie das in jungen Jahren passieren kann. Glücklicherweise gab es 1997 nicht mehr nur Tapes  später haben sie die alten Tapes und Festplatten gefunden und das Album wiederbelebt.  
Der Albumbeginn erinnert mich an die Schweizer Progband Clepsydra, falls die noch jemand kennt – und damit wäre die Richtung dieses Albums auch schon bestens beschrieben. Schon bei Clepsydra konnte man nie genau sagen, ob man sie dem Prog oder dem Melodic Rock Genre zuordnen sollte, und das ist auch bei Galaxy nicht einfacher. Da tauchen jede Menge Marillion-Harmonien und –Soli auf, Enchant, Pallas und It Bites sind weitere mögliche Referenzen. Das Album sprudelt vor großen epischen Melodien und anspruchsvollen Arrangement und wird abgerundet durch die angenehme, kraftvolle Stimme von Sänger Bart Schwertmann auf, seit 2017 Sänger der niederländischen Prog-Legende Kayak. Interessant dabei ist, dass einem die Songs fast wie alte Bekannte vorkommen, so typisch sind sie in bester 90er-Jahre Tradition arrangiert, ja es laufen einem bisweilen wohlige Schauer über den Rücken, dabei sind diese Songs allesamt unbekannt. Ein tolles Album!  

Für KW 21: Mother Mersy - From Above (Raw Street Noise/Ingrooves)

Retro-/Blues-Rock-Debüt aus Schweden, der vieles richtig macht! Damit wandeln sie auf den Spuren von Greta van Fleet – und das gar nicht mal schlecht. Noch nicht ganz so kultig, dem Sänger fehlt auch ein wenig vom Charisma eines Joshua „Josh“ Kiszka, dafür ist seine Stimme weniger gewöhnungsbedürftig. Energetisch, abwechslungsreich, zwischen 70s-Blues Rock und Psychedelic, ruhige Momente inklusive sowie modernem Sound. Oder wie sie selbst sagen: „Wir denken, so sollte Rock`n`Roll 2022 klingen“. Sprichts nichts dagegen! Bitte weitermachen!

Für KW 20: Green Sky Accident - Daytime TV (Apollon Records)

Beim ersten Hören erscheint dieses Album als eine (bisweilen etwas zu) entspannte Version Postrock, das aber (meist) mit Gesang. Und schnell wirdk lar: Ein paar Highlights sind dabei! “In Vain” als erste Single und „Finding Failure“ (2/2022) als zweite Single waren schon geil, „Screams at Night“ ist ein weiteres Beispiel für ihre Klasse! Rock zwischen Stadion Hymne und Indie- - ja –Pop kann man fast sagen, mit Beatlesken Harmonien. An anderer Stelle mit Breaks und Richtungswechseln, ohne dabei jetzt im Progressivrock zu landen (Finding Failure, While it lasted). Ein spannender Ritt durch eine ganze Reihe interessanter Sounds! Abwechslungsreich, mitreißend; tolles Album!

Für KW 19: Wille & The Bandits - When The World...  (Fat Toad Records)

Es ist immer wieder faszinierend, welche blütenähnliche Kapriolen Musik – eigentlich nichts weiter als eine bunte Zusammenstellung von Noten auf immer neue Weise – schlagen kann. Allein im Blues-infizierten Rock-Genre fallen mir spontan drei Namen ein, die in den letzten Jahren mächtige Wellen schlagen konnten: Greta van Fleet, All Them Witches und Wille & The Bandits. Letztere, gegründet vor 15 Jahren, finden seit rund 10 Jahren immer mehr neue Ohren, in denen sie sich spontan einnisten, sobald Wille Edwards und seine Mitstreiter sie erreicht haben. Ihre kraftvolle Mischung aus Rock und Blues wird gerne erweitert mit groovigen Elementen genauso wie mit psychedelischen Jam-Parts, ergänzt mit glänzenden Soli und der Reibeisenstimme ihres Namensgebers. Ihr neues, fünftes Album „When The World Stood Still“, offensichtlich maßgeblich beeinflusst vom Lockdown der letzten Jahre, mag nicht ganz so durchgehend überzeugend sein, wie ihre frühen Klassiker „Grow“ und „Steal“, geizt aber trotzdem nicht mit überraschenden Ausflügen in o.g. Nebenarme. Besonders die Songs, die (mitunter weit) über die 5-Minuten-Marke hinausgehen, und das ist schon die eine Hälfte der Stücke, lassen sich die nötige Zeit um mit Spielereien zu überraschen. Da wird man sich auf die Live-Umsetzung freuen dürfen: Jetzt, wo es endlich wieder erlaubt ist, kommen sie damit auf Tournee – und sind u.a. am Sonntag, 15. Mai im Meisenfrei zu erleben, am Freitag, 20. Mai im Zollhaus (Leer) - für den Rest des Landes: 

Für KW 18: The Waterboys - All Souls Hill (Cooking Vinyl/The Orchard/Indigo)

Das kompositorische Geschick hat etwas gelitten: Mike Scott scheint sich mittlerweile mehr als Geschichtenerzähler zu sehen, als sich auf gutes Songwriting zu konzentrieren. Mit relativ simplen Strukturen und Melodien und vor allem mit alle Songs überlagernde, störende Computerdrums hat er hier wieder zehn neue Songs zusammen geschraubt, die allesamt seine frühere Klasse, seinen alten Verve vermissen lassen. 
Ich war wirklich mal ein großer Fan der Waterboys und Mike Scott war auch einer der Künstler, die ich gerne mal zum Interview getroffen hätte. Aber zumindest musikalisch hat nicht mehr so viel Spannendes zu erzählen. Wie schon Tears for Fears auf ihrem neuen Album mit simplem Pop enttäuschten, setzt Scott mit „All Souls Hill” noch einen drauf. Ist hier ein Trend erkennbar, dass die Achtziger-Jahre-Helden langsam in die Belanglosigkeit abdriften? Die Rhythmen dieses Albums würden mich bei Lisa Stansfield, die ich auch mag, nicht stören, aber für eine Rockband, wie die Waterboys es mal waren, ist mir das zu wenig. Ein, zwei nette Balladen, ein etwas herausstechen Uptempo Song („Blackberry Girl“), mehr kann hier nicht herausgehoben werden.

Für KW 17: Ben Craven - Monsters From The Id

Entweder denkt er an Radio DJs, die kaum seine Longtracks spielen werden, oder er möchte den Zugang zu seinen Songs allgemein erleichtern. Die beiden Longtracks von 19 Minuten werden auf diesem Album anschließend auszugsweise in vier Single Edits weiter seziert. Das mag für manchen Musik Rezensenten und/oder Musikliebhaber, die aus anderen Gründen gerne als Analytiker unterwegs sind, wenig überraschen, für andere vielleicht aber auch etwas ernüchternd sein. Was der Progressive Rock nämlich letztlich ist, wird hier sehr deutlich: Viel aufgeblasener Bombast um einen simplen Song herum. 
Aber wer sich darauf einlässt, bekommt zwei wunderbare Songs zwischen Pink Floyd, Camel und Southern Empire, ergänzt durch Hans Zimmer-esque orchestrale Arrangements, die wahlweise an Harry Potter oder James Bond Soundtracks erinnern, erweitert mit tollen Gitarren- und Pianolinien. Und komponieren kann er: Vor allem beim Opener „Die Before You Wake” bekommt man einen eingängiger Song in der Mitte, an allen Ecken solistisch aufgewertet und abgewandelt, aber im Zentrum bleibt der Song. Leider ist das folgende „Amnis Flows Aeternum“ nicht ganz so genial, wie der Opener und noch weitergehend instrumental, zudem sind zwei Songs auch etwas mager. Finde ich. Aber hörenswert allemal!

Für KW 16: Archive - Call To Arms & Angels (PIAS)

If it ain´t Rock, why does it feel so good? Ich sollte aufhören, mich so auf neue Archive Alben zu freuen. Waren Archive mal eine Rockband? Irgendwie schon. Zu Zeiten von „You all look the same to me“ und auf der Bühne sowieso. Trotzdem: Die größte Faszination ihrer Musik bestand nicht unbedingt in den Rockelementen, sondern in ihrer einzigartigen Art, Pop in hypnotische Strukturen zu verpacken. Natürlich waren es dann immer die Rock Eruptionen, die die größte Begeisterung auslösen, aber ein Schwerpunkt war hier nie auszumachen. Mit den letzten Alben verschwand dieses Element immer mehr aus ihrer Musik. Leider auch die überraschenden Momente, genauso wie die Hip-Hop respektive Rap-Elemente. Stattdessen wurden sie eher elektronischer, und poppiger im Sinne von einfacheren Strukturen. Diesen Trend scheint auch das neue Album fortzusetzen. Oder doch nicht? Zunächst einmal ist das Album vor allem extrem ruhig und packt dich mit unglaublichen Harmonien und Passagen, in denen man die sprichwörtliche Stecknadel fallen hören könnte. Umso wuchtiger fallen die wenigen Rockelemente und dynamischen Songs auf, und dieser Kontrast ist einer der Faktoren, die dem Album seine Faszination verschaffen. Daneben gibt es auch die hypnotischen Momente, die wieder vermehrt zurückgekehrt sind und vier Longtracks von gut 8 bis über 14 Minuten, auch wenn die nicht an die Großtaten der Band heranreichen, enthalten sie durchaus die typischen Elemente.
Wie wir am letzten Birdpen-Album („All Function One“, KW 10/21) gesehen haben, scheint es einfacher zu sein, abseits der Band die alten Qualitäten einzubauen. Archive bleiben die sich weiter entwickelnde Band, und man muss weiter auf alles gefasst sein. Faszinierend bleiben ihre Alben irgendwie immer. Und deswegen werde ich auch nicht aufhören, mich auf – und v.a. über – neue Archive-Alben zu freuen!

Für KW 15: Kite Parade - The Way Home

In einem Genre wie dem Progressivrock ist es nicht ganz einfach, positiv aufzufallen. Wenn man zu progressiv, sprich zu fortschrittlich neu ist, muss man erstmal schaffen, die alten Hörgewohnheiten außen vor zu lassen. Und ist man zu sehr gefangen in den üblichen Schemata, war in den letzten 50 Jahren irgendwie dann auch alles schonmal da. Da muss man schon extrem gut sein, um aufzufallen. Und genau das machen Kite Parade, bzw. im Prinzip ist es Multiinstrumentalist Andy Foster, der das geschafft hat mit seinen Kompositionen. Große Songs, tolle Melodiebögen mit einer Menge Genesis, Marillion, IQ und It Bites im Hinterkopf – also alles was Spaß macht! Aufgewertet mit einer fetten Produktion, abgerundet durch diverse Gäste an Drums, Bass, Gitarre und Piano sowie Duettgesang, darunter sogar ein Herr Nick D’Virgilio. Der Opener „Letting Go“ ist schon ein Paradebeispiel für exzellent gemachten Prog und trotzdem macht Andy Foster nicht den Fehler, diese Formel zu kopieren, sondern komponiert sehr abwechslungsreich – eigentlich kommt kaum etwas doppelt vor! Kite Parade agieren mal härter, mal langsamer, mal bombastischer, mal energetischer. Möchte meinen: Alles richtig gemacht!

Für KW 14: Pattern-Seeking Animals - Only Passing Through   (InsideOut / Sony Music)

Es war schön, es war gut und am Ende nicht mal zu kurz (frei nach Wolfgang Niedecken ("Jraaduss"), dessen Heimatstadt die alten Herren Genesis letztlich Dank Zusatzkonzert für ihren etwas holprigen Abschied aus Deutschland gewählt hatten). Aber wer die Herren Collins und Co. auf ihrer jüngsten Tournee erlebt hat, der weiß, dass es wenig Sinn machen würde, auf Nachschlag von diesen Herren zu warten. Also Zeit für etwas Neues. Und da kommen diese – zugegeben auch nicht mehr ganz jungen – Herren hier ins Spiel. Allesamt aus dem Spock Beard Umfeld kommend, war auch ihr Sound auf den ersten beiden Alben deutlich in deren Umfeld angesiedelt. Mit Album #3 denken Sie jetzt größer – oder auch: Freier. Neue Klänge, erweiterte Einflüsse – und um auf den Beginn des Textes zurückzukommen: Da sind auf dem neuen Album einige Songs und Sounds enthalten, die durchaus Genesis-Größe und -Potenzial haben. Aber warum nicht. Da ist eine Lücke frei geworden, die es zu füllen gilt. Mit Songs dieser Größe und dieser Abwechslung sollten sie ihren Fankreis jedenfalls deutlich vergrößern können. Mit „Day at the Beach“ kommt der lockere Pop-Song vielleicht noch etwas früh in Ihrer Karriere, aber spätestens mit “I can’t stay here anymore” bewerben sie sich inoffiziell um die Genesis Nachfolge, würde ich sagen.

Für KW 13: Jeremy Days - Beauty In Broken (Circushead Records)

Dieses Album ist zumindest eine Überraschung, für die Fans aber eine handfeste Sensation. Natürlich war das auch schon der unerwartete Auftritt im Logo im Januar 2020, und insgeheim hatte man natürlich gehofft, dass es bis hier hin weiter gehen würde. Dass es aber tatsächlich dazu kommen würde, dürfte jeden alten Fan zum Jubeln bringen. 27 Jahre nach ihrem letzten Album sind sie wieder da, und machen das, was sie am besten können: Handmade Pop Rock, mit tollen Melodien und Refrains, und, wenn man es jetzt mal in Kontrast zu Dirk Darmstädters zwischenzeitlichen Soloalben bringen möchte, ein richtiges Band(sound-)album. Und ein richtig gutes dazu. Knackige Melodien, hooklineorientierte Songs, abwechslungsreich, zeitgemäß, genau das was der alte Fan sich wünscht. Mit dem Opener und Titelstück ist dabei ein echtes Juwel dabei, und auch sonst gibt es klasse Titel, aber das ist gar nicht so entscheidend, wie die Tatsache, dass das Album insgesamt  überzeugen kann. Jetzt noch eine hoffentlich spielbare Tournee dazu, und alles ist wieder in Butter. Welcome back!

Für KW 12: Soulsplitter - Connection (Eigenvertrieb)

In der breiten Musikwelt mögen sich die Geister über diese Band scheiden, in der Prog Community sollten sie es nicht schwer haben, ein Bein an die Erde zu bekommen. Zwei Jahre ist es her, dass die „deutsche“ Band ihr Debütalbum „Salutogenesis“ veröffentlicht hat. Wobei „Band“ zu dem Zeitpunkt noch eine nicht ganz zutreffende Bezeichnung war: Komponiert und initiiert großteils von Drummer Fenix Gayed, eingespielt mithilfe von mehr als 50 Künstlern unterschiedlichster Herkunft vereinte es vieles, was Art- und Progressive Rock interessant macht. Eine unglaublich spannende musikalische Reise durch Metal, epischem Progressivrock, klassische Streicher und Elemente, Musical-Einlagen, Breaks und Taktwechsel auf höchstem Niveau und fantastische Gesangs- und Musikerleistungen und Soli inklusive. Schon damals mit dabei: Simon Kramer (Gitarren) und Felix Jacobs (Bass), die für das neue Album durch Lewin Krumpschmid (Keyboards) und Sänger Sami Gayed ergänzt wurden und somit die Band auf Quintettgröße zurechtgeruckelt hat. Wobei Gastbeiträge immer noch die Fünf ergänzen. 
Spannend aber am neuen Album ist die Tatsache, dass nicht Fenix, sondern  Gitarrist Simon das Grundgerüst geliefert hat, zu dem dann jeder der anderen seinen Teil beigetragen hat. Dadurch ist es deutlich mehr ein Bandalbum geworden, bzw. „homogener“, wie Fenix es ausdrückt. Die bereits erwähnte Vielseitigkeit ist dabei erhalten geblieben und macht auch das neue Album ungeheuer spannend. Die erste Vorabsingle „Incineration“ war gesanglich zwar noch etwas sperrig, bleibt aber mehr oder weniger die extreme Ausnahme und unterstreicht einmal mehr die immense Spannbreite von Fenix Bruder Sami Gayed. Bereits die neue Vorabvorstellung auf Bandcamp, „Disconnected“, die auch das Album eröffnet ist ein Paradebeispiel für die Qualität des Albums, das einmal mehr zwischen Dynamik und Melodie mit Elementen aus Prog, Klassik und Progmetal spielt, in sieben Songs zwischen 4 und 7 Minuten nie den Song aus den Augen verliert und mit grandiosen musikalischen Beiträgen von v.a. Piano und Gitarre, aber auch z.T. mehrstimmigen Gesang und Klassikelemente  dieses Album zu einem Highlight macht. Unbedingt antestenswert – und wenn alles gutgeht, sind sie im Juli auf der Loreley und im Oktober in Mannheim live zu sehen. Pläne gibt es obendrein für eine Tour im September.

Für KW 11: Frank Turner - FTHC (Polydor)

Die sympathischste aller Punk Bands. Wobei sich die beliebte Frage stellt, ist das noch Punkrock? Er hat sicherlich noch Elemente und Wurzeln aus und im Punk, der Opener „Non Serviam“ (2.00), „Fatherless“ (2.41) und „My Bad“ (1.44) sind kurze wie klare Belege dafür, aber um dieses Genre noch authentisch zu besetzen, schreibt er definitiv zu viele Hits. Oder einfach zu gute Songs. Die Singles „Haven't Been Doing So Well“ und „A Wave Across The Bay“ sind da nur die Spitze des Eisbergs. Dazu gibt es Lustig-Nachdenkliches wie „Miranda“, das melancholische Corona-Ergebnis „Little Life“ oder den nach „A Wave…“ zweiten wunderschönen Abschiedssongs „Farewell To My City“. Nein, Punkrock ist das nicht mehr. Einfach eine angenehm abwechslungsreiche Sammlung Rocksongs, mit der sich Turner einmal mehr von seiner besten Seite präsentiert. 

Live am 18.04.22 Bremen, Aladin Music-Hall
sowie 19.04.22 Dortmund, FZW - 21.04.22 Hannover, Capitol - 22.04.22 Stuttgart, Im Wizemann (Halle) - 23.04.22 Saarbrücken, Garage - 24.04.22 Leipzig, - Werk 2 - 26.04.22 Heidelberg, Halle 02 - 11.05.22 Nürnberg, Löwensaal

Für KW 10: Marillion - An Hour before it`s dark (Earmusic (Edel))

Harry Styles „Sign of the Times“ ist ein nettes Lied, aber ich habe es aus zwei Gründen von Anfang an gehasst: Erstens war der Titel bereits für einen der Klassiker der Musikgeschichte vergeben, und zweitens war der Song so simpel gestrickt dass es für eine Band wie Marillion ein leichtes wäre, zehn davon zu schreiben. Die hätten allerdings nie auch nur ein Zehntel des (kommerziellen) Erfolgs von Harry Styles. Wenn ich dann noch sehe, dass Styles im Sommer Stadionkonzerte spielt, kann man schon mal vom Glauben abfallen. 
Das scheinen sich die Jungs von Marillion selbst auch gedacht zu haben, denn jetzt machen sie es einfach mal. Das neue Album startet theatralisch und eigentlich ganz spannend, mit einer wunderbaren perlenden Pianomelodie und einer wirklich gelungenen, schmissigen Komposition. Wie man insgesamt feststellen kann, dass dieses Album offensichtlich der typischen Einstellung von Künstlern folgt, das neue Album immer als Reaktion auf das vorangegangene anzugehen. Denn während F.E.A.R. irgendwie nie aus dem Quark kam und alles andere als schmissig war, rockt das neue Album wie schon lange nicht mehr. Die ersten drei Songs sind alle (zumindest teilweise) Uptempo und auch sonst geht es munter zur Sache. Und für Longtrack-Fans gibt es zwei 10- und einen 15-Minüter. Aber leider bleibt die Innovation auf der Strecke. Das Album ist eine Sammlung mittelmäßiger Marillion-Standard-Sounds, was an sich noch erträglich wäre. Hauptproblem sind die Texte. Zu belanglos, zu viel Herzschmerz und viel zu viele Wiederholungen – ein Phänomen, das ich bei Pop-Songs prinzipiell bemängele. „An Hour before it`s dark“ scheint wie für den Pop-Markt gemacht. Und entsprechend des Erfolges von Harry Styles (allein dieser Name…) hätten die Songs locker das Zeug dazu. Aber es dürfte jedem klar sein, dass Marillion nicht mehr in einer Altersgruppe spielen, in der man mit diesen Sound in die Charts käme. Insofern ist die Chance, ein Sahnealbum für Fans abzuliefern und sich damit einen Namen zu machen, leider vertan.

Für KW 9: Jonas Lindberg & The Other Side - Miles From Nowhere (Inside/Out / Sony)

Moderner Prog-Rock, melodisch, überraschend, episch: Die Art der zündenden Hooklines und die musikalische Ausrichtung ist am ehesten mit Neal Morse vergleichbar, bzw., was die Abwechslung und die Menge an Einflüssen angeht, noch viel mehr mit Transatlantic. Eine Liga zu hoch gegriffen, meint ihr? Meine ich nicht. Die Melodien sind kernig, die Breaks und Tempowechsel schlüssig. Lediglich der Gesang ist bei Transatlantic etwas charismatischer, aber mit einem Vollprofi wie Neal Morse zieht man auch nicht so leicht gleich. Abgesehen davon singt Jonas Sundqvist auch nicht weniger professionell, also bleibt das letztlich eine Geschmacksfrage. Und mit Jenny Storm hat er auch eine Duett-Partnerin mit an Bord, die auch hier noch Abwechslung mit rein bringt. 
Lindberg startete mit der 2008 aufgenommenen EP „In Secret Pace“ als Examensprojekt an der Musikakademie in Piteå, Schweden. Veröffentlicht erst 2012, war die EP ein erstes Lebenszeichen seiner Band, gefolgt von der zweiten EP „The Other Side“ 2013. Erst 2016 erschien mit„Pathfinder“ das erste Album, der Nachfolger wurde aufgrund intensiver Tourneen mit vielen anderen Verpflichtungen bis 2019 auf Eis gelegt. Als Gastmusiker auf „Miles From Nowhere“ ist u.a. Roine Stolt (The Flower Kings, Transatlantic)  zu hören. Vermisst wird derweil Keyboarder Michael Ottosson, der 2020 verstarb, was dazu führte, dass Lindberg die Keyboards übernahm. 
Ein klasse Album mit sieben spannungsreich abwechslugsreichen Songs in maximaler CD-Spielzeit, „Summer Queen“, z.B., startet als luftiger Folk-Pop und entwickelt sich innerhalb von Minuten zum Rock-Monster mit kreischenden Gitarren, bevor er sich zum ersten von drei Long Tracks entwickelt, die allein mehr als 50 Minuten auf die Uhr bringen (die Hälfte davon erledigt das abschließende Titelstück). Großes Kino! Die anderen vier Songs bewegen sich zwischen Genre-typischen 5 und 7 Minuten, nur „Why I´m here“ und das Instrumental sind verzichtbar, aber das bleibt ebenfalls Geschmackssache.

Für KW 8: Black Map - Melodoria (Minus Head Records)

Sind es  tatsächlich schon fünf Jahre, seit uns Dredg-Gitarrist Mark Engles mit dem fantastischen „In Droves“-Album begeisterte? Nachdem seine Hauptband über die Jahre mehr und mehr in seichte Fahrwasser und damit in die Belanglosigkeit geraten war, schien er hier die Rockseite wieder mehr ausleben zu wollen und schlug er hier zwischendurch auch wieder mal kräftigere Saiten an. Dank der Pop-affinen Melodien entstand eine hypnotische Mischung aus Alternative Rock Crunch der Marke 3 Doors Down und Prime Circle auf der einen und U2 und Keane auf der anderen Seite. Beim ersten Hören scheint der Rock-Faktor auf dem Nachfolger etwas zurückgefahren zu sein. Die Grooves und Ambient-Sounds, die auf dem Vorgänger vereinzelt angedeutet wurden, blitzen in den neuen Songs immer wieder mal durch. Bei genauerem Hinhören wird aber klar, dass die Gitarre hier fast durchgehend die erste Geige spielt und mit jedem Song das Dredg-Repertoire locker an die Wand rockt. Es sind die hittigen Melodien, Songs wie die potentielle Single „Nothing over me“ und gelegentliche Verschnaufspausen, wie der Beginn von „Burnout“ und der melancholische Titelsong, die einen gemäßigteren Eindruck andeuten. Der Rest des Albums rockt mit fetten Hymnen, angefangen beim Opener „Chasms“ über das Stadion-kompatible „Super Deluxe“ bis zur tollen ersten Single „Left for Dead“ – und allen anderen ungenannten Songs des Albums. Unbedingte Intensivhörempfehlung!

Für KW 7: Sel Balamir - Swell + ( )rphans (Eigenregie / Bandcamp)

Amplifier haben ihre Aktivitäten während der Pandemie weitgehend auf Eis gelegt, Frontmann Sel Balamir nutzt derweil die Zeit für Soloalben. Bereits im September erschien sein Debüt „Swell“, das es mit dem zwanzigminütigen Titelsong und zwei weiteren Longtracks auf über 40 Minuten Spielzeit bringt. Nach seinem Umzug nach Brighton war das für ihn nahelegende Thema des Albums klar: Ozeane. Und das ist durchaus passend umgesetzt: Das erwähnte „Swell“ mit seiner an Alan Parson angelehnten Hookline und seinem stoisch-repetitiven Charakter erinnert genauso an Archive-Longtrack-Highlight wie einer langsam kommenden Flut. Zunächst ungewöhnlich, aber doch großes Kino – und damit seiner Hauptband nicht unähnlich. Während es insgesamt etwas elektronischer zwischen Psychedelic und Ambient zugeht, beendet v.a. der zweite Teil von „Seagull“ nicht zuletzt durch sein episches Gitarrenfinale das Album in bester Amplifier-Manier. 
Ähnlich Rock- und gitarrenorientierter startet auch sein neues Album „( )rphans“, das mit sechs Songs auf dieselbe Spielzeit kommt, wie sein Vorgänger. Dabei bleibt der Opener „Theme (From Crocodile Dundee)“ instrumental, aber „Astral Womb“ könnte auch ein Amplifier-Song sein. „Pink Bows“ ist mit einem leichten Simple Minds Touch ausgestattet, „Mannequin“ hat trotz seiner 7 Minuten einen Steven Wilson-ähnlichen Pop-Appeal und auch der elfminütige Longtrack „Don't Wear The Crown“ bleibt, wie die meisten Songs, eher langsamer, aber gemeinsam können sie locker mit einem Amplifier-Vergleich standhalten. Von denen gab es im Oktober übrigens bereits den neuen Track "Red Feather" und ein neues Album ist für Mai geplant. Bis dahin ist man mit dieser Alternative bestens bedient!

Für KW 6: The Slow Show - Still Life (PIAS)

Die Release-Tournee wurde leider schon wieder auf August verschoben, aber Alben lassen sich ja glücklicherweise Corona-konform genießen. Und dieses Album IST zum Genießen. das vierte Album der Jungs aus Manchester zelebriert erneut Art-Pop zwischen zärtlicher Stille und majestätischer Opulenz, luftigen Arrangements und bedrückender Schwere. Wobei vor allem die Lockerheit einiger Songs überrascht. Allein durch den unvergleichlichen Bariton Robert Goodwins war die Band prädestiniert für die Drama-Ecke, aber offensichtlich geht es auch mit mehr Pop. Ein Grund könnte Goodwins neue Lebenssituation sein: Er folgte seiner Liebe und wohnt seit einigen Jahren in Düsseldorf. Was die Aufnahmen in Zeiten Corona nicht gerade erleichterte. Aber wo ein Wille ist… Nebenbei experimentiert er auch mit einigen höheren Tönen. Textlich beschäftigt er sich, das deutet der Albumtitel schon an, mit dem Lockdown und den Dingen, die ihn in den letzten Jahren beschäftigt haben. Und die waren nicht unbedingt alle schlecht. Zeit für die Natur, neue Perspektiven und den Austausch mit den Fans auf einer anderen Ebene. Ein Album, das den Weg der Band noch komfortabler ausbaut!

Für KW 5: LALU - Paint The Sky (Frontiers Music)

Der Franzose Vivien Lalu zündet die nächste Stufe: Mit Damian Wilson am Mikro dürfte ihm die Aufmerksamkeit einiger weiterer Prog-Fans sicher sein. Dabei ist das (neben Gästen wie Steve Walsh, Tony Franklin und Jordan Rudess) eigentlich nur ein Türöffner und das i-Tüpfelchen auf den Songs dieses Albums!   
Zwischen melodisch-komplexen progressiven Uptempo-Rockern und gemäßigten, fast Pop-affinen Rocksongs ist Lalus drittes Album „Paint The Sky“ nämlich ein wunderbar abwechslungsreiches Meisterstück! Das beginnt mit dem spannenden Opener „Reset to Preset“, das hookline-orientierten Melodic Rock mit Prog-Elementen wie vertrackten Rhythmen und Taktwechseln verbindet. Hier wie in anderen schnelleren Songs erinnert das wiederholt an Saga, in den langsamen v.a. an Landmarq. Mitunter wird die Giarre auch mal etwas kräftiger, in “Stand at the Gates” gibt es dagegen einen schicken Jazz-Part. „The Chosen Ones“ trumpft mit einem Sahne-Ohrwurm-Refrain und im Prinzip jeder Song mit einem tollen Solo. Zum Abschluss gibt`s noch ne kleine Ballade (11) und ein tolles Instrumental feat. Simon Phillips, das mich an Totos„Dave`s gone skiing“ erinnert.
Aber zurück zum ersten Satz dieser Review: Nachdem die Eltern von Keyboarder Lalu beide in der Progband Polene aktiv waren, wurde er von von Hubi Meisel (Ex-Dreamscape) für dessen Solo-Debüt engagiert, spielte danach auf diversen Alben verschiedener Progmetal-Acts bevor er 2005 seine eigene Band gründete. Bereits das Debüt "Oniric Metal" erhielt zahlreiche gute Kritiken, neben seiner Band ist Lalu mit Soundtracks für Film, Fernsehen und Computer-Spiele beschäftigt.

Für KW 4: t - Pareidoliving (GEP)

Er macht es seinen Hörern nicht leicht. Aber wahrscheinlich hat er das auch nie als seine Aufgabe gesehen. In dem Fall sei daran erinnert, das Musikhören zu den Dingen im Leben gehört, bei denen man entspannen kann; genießen. abschalten oder mitsingen, glücklich sein. Die Grundlagen dafür liefert Thomas Thielen alias t zuhauf. Elektrisierende Sounds und Stimmungen, intensiven wie emotionalen Gesang und fantastische Gitarrensoli – auch das achte Album des Hannoveraners ist voll davon. Aber ich würde meinen: Zu voll. Während man sich im ersten Moment noch fragt, wie der Lehrer und Seminarleiter die Zeit findet, in solcher Regelmäßigkeit Songs zu komponieren, mit intelligenten Texten zu versehen, komplett in Eigenregie aufzunehmen, abzumischen und zu mastern, nebenbei noch mittlerweile auch Konzerte zu planen und zu spielen und mittlerweile sogar noch Gastmusiker bei anderen Musikern (u.a. Marillions Steve Rothery) zu sein, wünscht man sich im nächsten, dass er hier und da ein paar Abstriche machen würde. Genauer: Abstriche in der Fülle der Ideen, die er auf einem Album unterbringt. Die Spielzeit von 71 Minuten verteilt sich auf acht Songs, davon sechs mit rund 10 Minuten Länge (zwei knapp drunter, einer weit drüber), die allesamt ein Feuerwerk an Vielfalt, Abwechslung und Stimmungswechseln darstellen. Der stetige Wechsel von Laut und Leise, intimer Harmonie und krachender Instrumentalgewitter ist eine Zeitlang herrlich aufwühlend, spannend und interessant. Aber mit einer kurzen Ausnahme sowie dem etwas gemäßigteren „Idiot`s Prayer“ sind alle Songs in dieser Art bestückt. Da ist man als Hörer überfahren von der Ideen- und Break-Fülle und es dauert diverse  Durchgänge, bis man in diesem Durcheinander die verbindenden und wiederkehrenden Elemente, den roten Faden identifiziert hat. Ein Album mit Langzeiteffekt also, dessen Erforschung eine faszinierende Herausforderung ist, was im Prog durchaus ein Qualitätsmerkmal ist, aber er macht es dem Hörer unnötig schwer mit seinem permanenten stop & go. Jede treibende  Passage (z.B. in „Behind this pale face“), jeder Rockpart wird rüde abgebrochen, wenn er gerade Fahrt aufgenommen hat. Und das macht es unnötig anstrengend, die schönen Momente zu genießen. Ich schwanke zwischen Faszination und Ärger und ich fürchte, das wird nicht reichen, um diese CD als Stein im Brett zu etablieren.

Für KW 3: Teramaze - And The Beauty They Perceive (Wells Music)

ProgMetal? Prog? Rock? Das Übel mit den Genres: Den einen schreckt die (falsche) Schublade ab, der andere wird durch sie erst aufmerksam. Teramaze lieben sie Abwechslung – und liefern ein wunderbar vielseitiges Album ab. Der harte Beginn deutet Progmetal an, im weiteren Verlauf bleibt aber vieles auch im moderaten Rockbereich. Doch egal, wie kräftig, komplex oder melodisch sie es angehen lassen, ihre Songs werden in jedem Fall wunderbar erweitert durch ausgereiftes Songwriting, grandiose Soli und ein perfektes Zusammenspiel aller Beteiligten und den tollen Gesang von Frontmann Dean Wells. Ihr Sound ist technisch ausgefeilt, aber nie überladen komplex und bisweilen scheuen sie auch vor fast hitverdächtigen Song-Arrangements nicht zurück. Nicht nur in solchen Momenten erinnern sie an Dredg („Untide“), zitieren die Beatles („Modern Living Space“) und geben sich im nächsten Moment wunderbar majestätisch metallisch-balladesk. 
„And The Beauty They Perceive“ ist das 9. Studioalbum der Skandinavier – und das dritte innerhalb von 11 Monaten. Da weiß offensichtlich jemand, die Lockdownpause sinnvoll zu nutzen!

Für KW 2: Lifesigns - Altitude (lifesignsmusic.co.uk)

Lifesigns sind eine Band, die ich vor Jahren schon mal auf dem Schirm hatte und aufgrund fehlender Promotion in Deutschland aus den Augen verloren habe. Im letzten Newsletter von Dave Bainbridge wurde ich darauf aufmerksam gemacht, dass er seit einigen Jahren mit zur Band gehört. Die Briten zelebrieren einen Prog-, bzw. Neo-Prog-Sound, der mich viele Jahre lang begleitet hat, den mich aber letztlich mehr und mehr zurück gelassen habe, weil mir ein wenig das Progressive, sprich Fortschrittliches dabei fehlte. Die erwähnte Mitwirkung von Dave Bainbridge ist letztlich, was auf diesem Album am positivsten zu erwähnen ist. Zwar sind schon die Songs teilweise hörenswert, wenn auch selten wirklich spektakulär, aber  vor allem die Texte sind eher abtörnend. Aber die Gitarrensoli, beziehungsweise oft auch einfach die Atmosphäre, die durch die Gitarre mit reinkommt, macht die Songs sehr speziell. Dave Bainbridge hat seinen Stil, den man von seinen Soloscheiben, bzw. von Iona kennt und den er auch hier mitunter gefühlvoll einbringt. Schön!  

Für KW 1:  Finally George - Icy Skies ( nnk_records )

Vor drei Jahren erfüllte sich der Multiinstrumentalist und Auftragsmusiker Georg Hahn einen späten Traum und veröffentlichte sein Debütalbum „Life is a Killer“. Seitdem scheint ihn das Thema nicht mehr losgelassen zu haben, so dass er jetzt schon wieder mit einem neuen Werk aufwartet. Mit Bass, Keyboards, Percussion und Geige hat er neben dem Gesang eine breite Grundlage des Instrumentariums selbst beigesteuert, für Drums sowie vereinzelte Soli und zusätzliche Gesangspassagen hat eine Reihe Musiker*innen mit an Bord. Musikalisch hat sich dabei nicht so viel geändert, die Referenzen reichen weiterhin von Pink Floyd über Steven Wilson zu Blackfield, also sphärisch-atmosphärischer Pop/Rock mit gelegentlichen Extravaganzen wie Breaks und Tempowechseln, die ein wenig ins Progressivrocklager tasten, ohne Nicht-Prog-Fan abzuschrecken. Das Album beginnt mit Klängen, die an Marillions „Brave“ Album erinnern, eine weitere nennenswerte Referenz, zumal deren Dynamik auch als Vergleich dienen kann – und das ist in der Tat eine der Stärken des Albums. Denn selbst wenn Vieles eher getragen anmutet, gibt es immer wieder auch rockige Songs und Passagen, die das Album vor zu seichten Gewässern bewahren. Hier könnte Hahn von mir aus gerne noch mutiger und abwechslungsreicher werden, aber spannungsreich ist „Icy Skies“ auch so schon. Ein sauber produziertes Album mit einigen Song-Highlights!